Tema: Más vale arte que nunca....

Moisés. Miguel Ángel Buonarroti (1513-1516).



El Moisés es una escultura de mármol, obra de Michelangelo Buonarroti (1513-1515), centrada en la figura bíblica de Moisés.

Originariamente concebida para la tumba del papa Julio II en la Basílica de San Pedro, el Moisés y la tumba se colocaron finalmente en la iglesia menor de San Pietro in Vincoli, en la zona del Esquilino, tras la muerte del papa. La familia della Rovere, de la que el papa procedía, fueron los mecenas de esta iglesia, y el mismo papa había sido cardenal titular antes de su nombramiento como representante del Vaticano.

La estatua representa a Moisés con cuernos en su cabeza. Se cree que esta característica procede de un error en la traducción por parte de San Jerónimo del capítulo del Éxodo, 34:29-35. En este texto, Moisés se caracteriza por tener "karan ohr" ("rayos de luz") que salen de su cabeza, lo que San Jerónimo en la Vulgata tradujo por "cuernos". El error en la traducción es posible debido a que la palabra "keren" en hebreo puede significar "rayo" o "cuerno".

La tumba de Julio II, una estructura colosal que debía dar a Miguel Ángel el suficiente espacio para sus seres superhumanos y trágicos, se convirtió en una de las grandes decepciones de la vida del artista cuando el papa, sin ofrecer explicación alguna, interrumpió las donaciones, posiblemente desviando dichos fondos a la reconstrucción de San Pedro por parte de Donato Bramante. El proyecto original estaba formado por una estructura independiente, sin apoyo, de tres niveles, con aproximadamente 40 estatuas. Tras la muerte del papa en 1513, la escala del proyecto se redujo paulatinamente hasta que, en 1542, un contrato final especificó una tumba con un muro sencillo y con menos de un tercio de las figuras incluidas en el proyecto original.

El espíritu de la tumba, sin embargo, se puede observar en la figura del Moisés, finalizado durante una de las reanudaciones del trabajo en 1513. Diseñado para ser visto desde abajo, y equilibrado por otras siete enormes formas de temática similar, el Moisés actual, en su contexto irrisorio comparado con el proyecto original, difícilmente puede tener el impacto deseado por el artista. El líder de Israel se presenta sentado, con las Tablas de la Ley debajo del brazo, mientras que con la otra mano acaricia los rizos de su barba. La imaginación puede situar esta representación de Moisés en el pasaje de éxtasis tras recibir los Mandamientos en el Monte Sinaí, mientras que, en el valle al pie del monte, el pueblo de Israel se entrega una vez más a la idolatría. De nuevo, Miguel Ángel utiliza una cabeza vuelta, concentrando una expresión de tremenda ira que se refleja también en la poderosa constitución de la estatua y a sus ojos.

La relevancia de los detalles del cuerpo y de los pliegues de los ropajes, que provocan cierta tensión psíquica, se puede apreciar estudiando minuciosamente la escultura: la protuberancia de los músculos, la hinchazón de las venas, las grandes piernas, pesadas al empezar a moverse. Tal y como afirma un escritor, si este titán se levantara, el mundo se rompería en pedazos. Miguel Ángel lleva la cólera sagrada de Moisés hasta su punto más álgido. Sin embargo, la contiene, puesto que los pasionales seres del artista tienen prohibida la liberación de sus energías.Es una representación neoplatónica, la parte derecha está estable, es la parte divina, por donde le viene la inspiración, en contraposición la parte izquierda es la parte por donde le viene el peligro y el mal. Está tenso, viendo como su pueblo ha caído en la idolatría. Tiene cuetro elementos neoplatónicos, la tierra, representada en la pierna con los pligues de la ropa a modo de cueva. El aire cuando respira, se percibe en las aletas de su nariz, que se expanden. El agua representada en sus barbas a modo de cascada. El fuego representados con esos "cuernos"(en pintura era fácil de representar, con una luz detrás del personaje, pero en escultura tuvo que emplear este artificio). La sangre fluye de manera contenida, parece que está a apunto de estallar y empezar a gritar, frunce el ceño, su psique se puede captar a través de su gesto y su mirada,podemos ver su pensamiento, es un trabajo psicológico muy estudiado.

Miguel Ángel pensaba que el Moisés era su creación más realista. La leyenda cuenta que, al acabarlo, el artista golpeó la rodilla derecha de la estatua y le ordenó "¡habla!", sintiendo que la única cosa que faltaba por extraer del mármol era la propia vida. En la rodilla se puede encontrar una marca, tal vez el martillo de Miguel Ángel al golpear a su Moisés.Se dice que al acabarla la golpeó y le gritó ¿Por qué no me hablas? siempre trató de quedarse con esta escultura, y con las piedras que le acompañan, que él mismo trabajó.

El Entierro del Conde de Orgaz (El Greco, 158.



Encargante: Don Andrés Núñez de Madrid.
Ubicación: iglesia de Santo Tomé, Toledo
Estilo artístico: Manierismo
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 4,80 x 3,60 m.

Detalles:

* Historia: El Señor de Orgaz siempre había sido benefactor de la iglesia de Santo Tomé, tanto que en su testamento pidió que el pueblo diera a la parroquia todos los años una serie de beneficios. Sin embargo, no se habían cumplido, por lo que 200 años después el párroco de la localidad pidió estos privilegios y mandó incluir en el cuadro una inscripción para recordar su testamento y para recordar el hecho milagroso de su entierro. Resulta que en su entierro San Esteban y San Agustín fueron a depositarlo en su nicho.
* San Agustín: El hecho milagroso de la bajada de los santos se representa aquí con el Obispo San Agustín.
* San Esteban: El hecho milagroso cuenta que San Agustín y San Esteban. San Esteban se representa como diácono.
* Hijo: El niño en primer término es el hijo de El Greco, Jorge Manuel, ya que lleva un pañuelo que indica su fecha de nacimiento.
* Conde: El Señor de Orgaz, depositado por los santos, lleva puesto una armadura de noble, indicando su estado social. Es el protagonista de la escena inferior, de la terrenal. El cuadro se divide ne dos zonas: la celestial y la terrenal.
* Cura: Llama la atención la figura que mira al cielo observando el rompimiento de gloria. Parece que no está ni en la escena terrenal, porque está de espaldas, ni en la celestial, porque está en la parte inferior. Se cree que es uno de los curas de la parroquia.
* Párroco: Don Andrés Núñez de Madrid es representado celebrando el entierro ya que fue él quien propugnó el cuadro y quien ayudó a dar privilegios a su parroquia.
* Greco: Una figura que mira sin miedo al espectador, absorto quizás de la escena, es el propio autoretrato de El Greco.
* Nobles: Una hilera de nobles estidos de forma elegante, propio de su estatus social, presencia el entierro. Algunos de ellos se han identificado con cierta seguridad, como Diego de Covarrubias, pero no se sabe con seguridad.
* Detalle: En este cuadro podemos ver la calidad técnica del artista en su faceta detallista, ya que los atuendos de los personajes están decorados con imágenes. En el caso del párroco de Santo Tomé, vemos una representación de San José.
* Unión: Lo celestial y lo terrenal se unen en el centro con un angel portando lo que parece ser un feto, que sería el alma del difunto que va a parar al Cielo.
* Jesucristo: Jesús aparece como Luz del mundo, por eso a sus espaldas hay un gran foco de luz divina. Recoge con sus brazos abiertos el alma del Conde.
* Virgen: La Virgen María se representa con atuendos de vivos colores, muy típicos de El Greco. Parece recoger maternalmente el alma del difunto.
* Juan: San Juan Bautista también recoge el alma del difunto.
* Bienaventurados: El grupo a la derecha son los grupos de bienaventurados, como los apóstoles. También se ha identificado posiblemente a Felipe II y al papa Sixto V.
* Pedro: San Pedro también aparece, llevando las llaves del Cielo en sus manos.
* Maniera: El Greco es un representante del manierismo. Se puede er en sus figuras alargadas, en sus colores vivos y en el uso de un fondo neutro, sin suelo ni naturaleza.
* Influencias: Esta obra tiene claras influencias bizantinas, como la especie de pantocrator superior, y también autores como Tiziano, en los colores, y Miguel Ángel.
* Martirio: En su indumentaria, San Esteban lleva pintado una representación de su propio martirio.

Saturno devorando a sus hijos (Francisco de Goya, 1819-1823)

Ubicación: Museo del Prado.
Estilo artístico: Llamadas Pinturas Negras.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 146 x 83 cm.

Detalles:

* Historia: Según la mitología, el dios Saturno o Cronos debía eliminar a todos sus hijos para evitar que lo destronaran. Así, cuando nacían de su mujer, Rea, él directamente se los comía.
* Simbolismo: La pintura es una de sus pinturas negras, que colocó en su casa, la Quinta del Sordo, en la planta baja. Se trata de pinturas oscuras, realizadas originalmente con la técnica de óleo a secco, es decir, en la pared; posteriormente pasadas a lienzo. Se trata de una pintura muy desgarradora, que simboliza el paso del tiempo ya que Cronos o Saturno era el dios del tiempo. Así, el tiempo nos devora inexorablemente y de forma cruel, algo que atormentaba al pintor.
* Sangre: Se trata de una pintura muy cruel, llena de dramatismo, sobre todo visto en dos puntos: la boca del dios desgarrando la carne de su propio hijo y la mancha de color representado la sangre. Esta última es verdaderamente desconcertante, ya que es una simple mancha, sin dibujo, resaltando el carácter espontáneo.
* Monstruoso: Goya representa al dios como un verdadero monstruo, con unos ojos saltones y atormentados, locos de ira. Así, representa al tiempo como un animal inexplicable que nos devora. Sería una imagen del tiempo melancólica por parte de Goya, que ya mayor, representa su nostalgia del tiempo pasado.
* Estilo: De fondo negro, nos representa de cuerpo entero a un personaje desdibujado, cuya deformidad es evidente y que produce mucho más dramatismo en la escena. Así, otro elemento que representa dicha crueldad es que apenas es dibujo, sino una simple mancha que sale de la nada oscura.

La última cena (Leonardo da Vinci. 1495-1497).



Encargante: Duque Ludovico Sforza
Ubicación: Refectorio de la iglesia dominica de Santa María de las Gracias (Milán).
Estilo artístico: Renacimiento.
Técnica: Mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido.
Estado de conservación: malo.

Detalles:

* Historia: El Conde Ludovico Sforza le pidió pintar para la nueva iglesia de los dominicos de santa María de las Gracias en Milán un mural de grandes dimensiones. Su factura se demoró mucho tiempo, dado al gran cuidado que esgrimía Leonardo, así como la difícil técnica mural que empleó.
* Tema: El tema es uno de los más importantes y conocidos de los relatos bíblicos y viene de Juan 13.21. Se trata de la sagrada cena donde Cristo junto a sus apóstoles toma lo que va a ser su última cena. El momento es en el que Jesús explica que entre sus allegados hay un traidor, por lo que cada uno de ellos responde de una forma distinta, dado mucho movimiento y expresión a la representación.
* Perspectiva: Uno de los elementos que más llama la atención y que más fue aplaudido por los pintores de su época es la perspectiva, tanto en el fondo de la factura como en los propios personajes, todos ellos en movimiento e individualizados. La escena transcurre en una sala cerrada, con un tejado plano de casetones, al estilo clásico, y al fondo unas grandes vidrieras de donde emana la luz que incide en todos los personajes. Sin embargo, hay una luz frontal, que sobre todo incide en Jesús, en el centro de la composición.
* Composición: Se trata de una composición simétrica, son un punto de referencia que es Jesucristo, en el centro de la mesa y rodeado por sus apóstoles. Una fuerte línea horizontal marca la escena, que es la mesa de mantel blanco, incidiendo en el carácter de tranquilidad y sosiego de la misma. Asimismo, las líneas diagonales hasta el fondo de la sala añaden movimiento y profundidad de campo a la misma, aumentando su realismo.
* Personajes: Bartolomé, Santiago el Menor y San Andrés, Judas Iscariote, Simón Pedro y Juan
* Personajes: Mateo, Judas Tadeo, Simón Zelote, tomás Santiago el Mayor y Felipe
* Significado : : según la escuela florentina por Ficino y Mirandola, los personajes se dividían en varias triadas, o lo que es lo mismo, grupos de tres. En ellos se puede ver diferentes motivos y teorias filosóficas, como el amor platónico o el camino a Cristo a través del diálogo filosófico
* Técnica: . Para Leonardo el fresco no era una técnica óptima para este trabajo, así que prefirió experimentar con una solución de técnica al temple y óleo sobre capas de yeso en el enlucido. Esto provocó que, poco después de su realización, se empezara a deteriorar ya que el muro al secarse se agrietaba y se desprendía. Así, en la actualidad su conservación es muy cuidadosa y costosa, por lo que sus visitas están reducidas.
* Curiosidades: Se ha hablado mucho acerca de los significados de posibles figuras. Así, se especula sobre la figura del propio Leonardo en el cuadro. Sería uno de los apóstoles de la derecha. Sin embargo, esto se ha descartado ya que la edad del representado es bastante superior a la edad en ese momento del propio pintor, por lo que es poco probable que se representara así. Otra especulación trata de la figura de una daga en la parte izquierda. Los técnicos que hicieron radiografías al cuadro explican que en los dibujos preliminares la daga la sostenía Pedro, en relación con el capítulo por el que defiende con ella a Jesús. Por último, en cuanto a las especulaciones sobre la figura que hay a la derecha de Cristo con pelo largo comentar que se ha especulado mucho sobre si era una mujer e, incluso, se ha llegado a decir que es María Magdalena. Sin embargo, si observamos la tradición pictórica hasta la fecha y posteriores, siempre se ha representado a San Juan como un joven de pelo largo, delgado y joven, por lo que la imagen corresponde a la perfección con la que aparece de Leonardo. Además, si este apostol no apareciera y fuera María Magdalena, faltaría uno de los más importantes fieles de Jesús en una de las escenas más importantes, por lo que es una segunda razón para afirmar que dicha figura corresponde a la de San Juan y no la de una mujer.

El bar de Folies Bergere (Edouard Manet, 1882)



Ubicación: Courtauld Institute of Art, Londres.
Estilo artístico: Impresionismo.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 96 × 130 cm.

Detalles:

* Cuadro: Manet representó en este cuadro el escenario típico de un club nocturno de París, cuya clientela era preferiblemente británica. En este cuadro vemos los elementos típicos de ese mundo, ya sea la cerveza, la gente,...Era el lugar favorito del artista y un lugar muy famoso por sus fiestas y por ser considerado el mejor club nocturno de la capital parisina.
* Fiesta: En primer término vemos a una joven y bella camarera, pero únicamente vemos el reflejo en un gran espejo a sus espaldas de lo que sucede en el club. Un gran tumulto, representado casi por manchas de color y luz, se puede ver en una gran fiesta.
* Cerveza: La clientela del bar parecía inglesa, por dos motivos fundamentales: uno la cerveza que marcamos con el triángulo rojo, que no era del gusto francés sino inglés. Otro elemento a tener en cuenta para decirlo es el hombre que se refleja y que está al lado del propio reflejo de la camarera. Se trata de un típico dandy inglés con un sombrero de copa.
* Bodegón: En primer término vemos un bodegón, al más puro estilo barroco, con frutas y flores representadas de forma detallada y concentrándose sobre todo en el colro y en la luz.
* Champán: El champán era la bebida preferida en el club nocturno, de ahi que veamos una gran cantidad de botellas en la barra.
* Camarera: La camarera que representa en primer término se llamaba Suzon y era realmente camarera del club. Manet la conoció y le pidió que posara en su estudio para él. La representa absorta, distraida, y resaltando su piel blanquecina.
* Manet: Uno de los logros de este cuadro es el propio artista, que muy enfermo, se cansaba constantemente. Acabó este cuadro dos años antes de morir.

El entierro del Conde de Orgaz - El Greco



http://es.wikipedia.org/wiki/El_entierr ... e_de_Orgaz

Cristo Crucificado (Velázquez, 1631-1632).

• Paño de pureza (perizoma): Habitual en el Barroco era hacerlos con vuelo, pero Velázquez prefirió hacerlo escueto para dar mayor énfasis al estudio de anatomía que prima en la obra.
• Presencia de poca sangre: Su influencia andaluza hacía que la representación careciese del dramatismo y sangre que se daba en los artistas castellanos.
• Halo místico: Resplandece en su cabeza, captando el aspecto religioso y sagrado de la figura.
• Cuatro clavos: Era la iconografía habitual en el siglo XVII y que Velázquez tomó de su mentor, Francisco Pacheco. Se representaba a Cristo con cuatro clavos: dos en manos y dos en pies.
• Ligero contrapposto : Signo clásico, la pierna se flexiona levemente para que sea la otra la que soporta el peso.
• Fondo oscuro: La influencia tenebrista se ve en el fondo oscuro y en la luz que incide en la cruz.
• Rostro idealizado: La incluencia clasicista se ve en su rostro sereno, caído hacia uno de sus lados.

Iniciado por teo

Tengo en casa una reproducción a lápiz de esta pintura, que dibujé cuando tenía 17 años. Empecé otra de "Las meninas", pero está aún por terminar.

No sabía que fueras un artista.

Si te gusta el tema, podrías participar en este hilo.
Han desaparecido las fotos (cosas del dichoso Imagashack). Pero podemos seguir adelante. Hay muchísimo por mostrar y explicar.

La joven de la perla.

La joven de la perla o Muchacha con turbante (en holandés Het meisje met de parel) es una de las obras maestras del pintor holandés Johannes Vermeer y, como el nombre implica, utiliza un pendiente de perla como punto focal. La pintura se encuentra en el Mauritshuis en La Haya. A veces se la denomina como "la Mona Lisa del Norte" o "la Mona Lisa holandesa".

Más información: http://es.wikipedia.org/wiki/La_joven_de_la_perla