Tema: Más vale arte que nunca....

Guernica (Pablo Ruiz Picasso - 1937).



Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el Pabellón Español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado el régimen dictatorial del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. La obra llegó finalmente a España en 1981, donde fue primero exhibido en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.

Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos.

Encargante: Gobierno de la República.
Ubicación: Museo Reina Sofía, Madrid.
Estilo artístico: Expresionismo / Surrealismo / Cubismo.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 349,3 x 776,6 cm.

Detalles:

* Toro: El toro, aturdido por lo que sucede mira a su alrededor.
* Historia: El Guernica fue un cuadro encargado por el gobierno de la República para la Exposición Universal de 1937. En ese mismo años se había producido el bombardeo de la ciudad de Guernica y Picasso quería expresar con este inmenso cuadro el horror de la violencia, de la guerra.
* Color: La ausencia de color no es fortuito. El horror de la violencia está reflejado de forma triste en los colores, que se vuelven grises y negros. Tanto las formas como los colores del cuadro expresan la emoción que el propio Picasso sintió al leer las noticias del bombardeo. Es un horror interior.
* Piedad: Una mujer rota de dolor, con lágrimas como si fueran sus ojos, recoge a su hijo en brazos, muerto. Picasso representa aquí los distintos modos de horror, aquí el de una madre, como si fuera una auténtica Piedad.
* Hombre: Un hombre descuartizado, tirado en el suelo, con una estrella de cinco puntas en una mano y una espada y flor en otra. El símbolo de la barbarie, de lo inexpresable.
* Yegua: En la yegua podemos ver perfectamente las reminiscencias de su etapa cubista. Los distintos puntos de vista que ofrece, como en las demás figuras, aquí podemos verlas a la perfección. Realmente no estamos viendo una única perspectiva, sino muchas que se suman para realizar el todo. Se trata de una yegua que sufre y está desbocada ante este dolor.
* República: Una figura como un fantasma llega desde una ventana abierta con una vela en sus manos. Se dice que podría ser una representación de la República, que entra desconsolada para mirar la escena.
* Llamas: Otra forma de dolor representa Picasso al colocar una mujer saliendo de un edificio en llamas, totalmente atrapada en ellas. Con sus brazos levantados y la boca abierta expresa el horrible sufrimiento que está padeciendo.
* Mujer: Una mujer vaga perdida entre el horror.
* Suerte: Ante todo el horror, se puede ver la esperanza en la herradura, en el candil encendendido y la flor.
* Paloma: Picasso dibuja una paloma con un ala rota y el pico abierto, símbolo de que la paz se ha roto, de la guerra.
* Luz: Una bombilla podría aludir a las bombas que cayeron en la ciudad.
* Espacio: No se sabe si es una escena de interior o exterior, porque no hay iluminación ni ninguna alusión espacial.
* Guernica: El 26 de abril de 1937 se produjo el bombardeo de Guernica por aviones Junker alemanes. Guernica era una villa sin importancia militar ni estratégica, por lo que el horror inexplicable se agudiza mucho más. La razón argumentada por Franco fue que fueron los propios republicanos los que lo propiciaron, cosa que no fue tomada en serio. La razón real fue que se quería probar el tipo de armamento y de aviones.

La Gioconda - Mona Lisa (Leonardo da Vinci 1503 - 1506)



El cuadro La Gioconda, conocido también como La Mona Lisa, La Monna Lisa o Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés y se exhibe en el Museo del Louvre de París.

Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506 y retocado varias veces por el autor. La técnica usada fue el sfumato, procedimiento muy característico de Leonardo. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.

Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.

La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino en los misterios y enigmas que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, los enigmas como la identidad de la modelo o el secreto de su sonrisa, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente


Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite esencial. La técnica se conoce como Sfumato, la cual consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del "Quattrocento" y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera, lo cual da una sensación de tres dimensiones a la figura.

El cuadro se sostiene sobre una tabla de madera de álamo extremadamente frágil recubierta por varias capas de enlucido. Se conserva en una urna de cristal de 40 cm de espesor a prueba de balas, tratada de manera especial para evitar los reflejos. La cámara que alberga el cuadro está diseñada para mantener una temperatura constante de 20ºC y 50% de humedad relativa, lo cual busca garantizar las condiciones óptimas para los cuidados de la pintura.

La pintura tiene una grieta de 12 centímetros en la mitad superior, probablemente debido a la eliminación del marco original, aunque un estudio con infrarrojos, revela que la grieta puede ser tan antigua como el lienzo mismo; dicha grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX. En la actualidad, se ha determinado que es estable y no ha empeorado con el tiempo.

Sin embargo, para descartar cualquier peligro, en 2004 se conformó un equipo de curadores franceses, quienes vigilan permanentemente el estado de la pintura, previniendo cualquier alteración provocada por el tiempo

Iniciado por Antonio-2

A esto es a lo que me refería ayer cuando charlaba contigo en el chat y me preguntaste si me gustaba el arte...
No voy a entrar en disquisiciones políticas ni artísticas sobre el valor de este cuadro... que sin duda la tiene... ni sobre lo que pueda representar en estos dos mismos sentidos (político y artístico)...
Pero yo no lo pondría en el salón de mi casa... personalmente es un cuadro y un artista que no me dice nada...

Ya sabía que no te gustaría. Pero debemos reconocer que el Guernica es una de las obras más importantes del arte moderno español.

Cúpula de la Catedral de Florencia (Brunelleschi, 1420 - 1436).



Aunque todas las obras de Brunelleschi son muy significativas, hay una que destaca entre todas ellas, que es la cúpula de Santa María de Fiore, catedral de Florencia. De ella escribió Alberti que era "amplia como para cubrir con su sombra todo el pueblo toscano" y en ella se puede decir que toma forma ese deseo de asimilar la imagen de Florencia a la de la antigua Roma, pues se busca un paralelismo con la cúpula del Panteón.
Brunelleschi se enfrentó en esa obra al reto que supone trabajar sobre algo ya hecho. No sólo existía ya el campanile de Giotto, verdadero emblema del orgullo ciudadano, sino que de la catedral, en la que había trabajado Arnolfo di Cambio, tan sólo quedaba por hacer la cúpula, de la que incluso las medidas estaban ya dadas. Después del concurso celebrado en 1418 para adjudicar el proyecto de la nueva cúpula, ésta fue encargada a Ghiberti y a Brunelleschi. Los mismos artífices volvieron a concursar en 1436 para la realización de la linterna, pero en ambos casos el triunfador fue Brunelleschi pues, incluso en la obra de la cúpula, en la que no le quedó más remedio que compartir funciones con Ghiberti, logró con sus ausencias dejar clara la falta de preparación técnica de éste para ocuparse en solitario de las obras y, de hecho, se sabe que en 1423 Brunelleschi era llamado "inventor y gobernador de la cúpula mayor". La consideración y el nuevo el papel del arquitecto en una obra fue también consolidado por Brunelleschi, pues todo estuvo bajo su dirección -se enfrentó incluso a una huelga- abriendo el camino del arquitecto-tracista, cuya consideración intelectual le aleja del artesano que trabaja con las manos.
En 1436 se acabó la cúpula y fue bendecida oficialmente por el papa Eugenio IV, pero la linterna, diseñada también por Brunelleschi, no se acabó hasta 1464. El conjunto es emblemático del primer Renacimiento, con su cúpula doble para que la exterior, "más magnífica y henchida", según palabras atribuidas a Brunelleschi, se convierta en ese referente urbano que fue desde su creación. La linterna, en la que confluyen los nervios de la cúpula, se muestra así como una suerte de punto de fuga -acentuado por el bicromatismo- y sobre todo como el nexo entre esa arquitectura creada por el hombre y la ciudad e, incluso, la bóveda celeste.
Sin un precedente inmediato que pudiera servirle, Brunelleschi concibe una gran cúpula de 42 m. de diámetro, compuesta de una bóveda semiesférica comprendida en otra de sección apuntada, entrabada por las cadenas de piedra que como costillas enlazan el remate con los ángulos del tambor octogonal, que sirven para neutralizar los empujes, a la vez que prestan al conjunto un perfil apuntado, en armonía con las formas góticas del resto del duomo y del campanile.

El Discóbolo (Mirón Hacia 455 a.d.C.).



Estatua original de bronce atribuida a Mirón (Miró)
Dimensiones: altura 1,60 m.
Estilo griego clásico, cronología aproximada: Siglo V aC. 460 aC.
Localización: Museo Nazionale Romano, Italia, y varias copias más en otros museos y lugares.

El discóbolo (Lanzador de disco) fue en origen, como muchas otras obras griegas, una escultura de bronce, que sólo conocemos a través de copias romanas en mármol.

Representa un notable avance en la representación del movimiento, rompiendo con la formalidad y el hieratismo de la escultura griega anterior.

Para ello se elige el momento crítico en el que el atleta se dobla hacia delante, en una postura de gran tensión y concentración, antes de girar para lanzar el disco.

Decimos que el momento es crítico por varios motivos, en primer lugar podemos observar que la posición del cuerpo es inestable, sólo se comprende en un contexto de movimiento continuado, en segundo lugar la colocación de brazos, piernas, tronco y cabeza responden al justo momento de iniciar el esfuerzo final de salida del dico, todo el curpo se tensa y concentra para dar la mayor velocidad posible al disco.
El equilibrio es también intencionalmente crítico, es un momento puntual, como una foto realizada a alta velocidad, congelando el tiempo

La composición, está construida sobre el equilibrio inestable de dos arcos que se cortan, el primer arco está formado por los brazos y hombros, hasta el pie levantado. El segundo arco lo forman la cabeza, la espalda y una continuación hacia el pie que sostiene la mayor parte del cuerpo.
A partir de estos dos arcos la figura se desarrolla siguiendo una linea quebrada desde el disco hasta el pie levantado. El Discóbolo no representa el momento en el que la acción está terminada, sino un instante fugaz de la misma. Su belleza deriva de la magnifica composición geométrica.

A pesar de estos prodigios compositivos, la figura no rompe del todo con el estilo severo, podemos observar que la expresión de la cara no se corresponde con el esfuerzo del momento, y que a pesar del evidente movimiento, la composición sigue pecando de una cierta frontalidad, muy apreciable si se observa el Discóbolo desde una posición lateral.

Detalles:

* Movimiento: Lo que hace a esta escultura diferente a las demás es que aquí se empieza a romper con la frontalidad. El movimiento se ve sobre todo en el momento que se retrata; es el momento de concentración para lanzar el disco, donde las articulaciones se flexionan.
* Arcos: El movimiento lo generan sobre todo dos arcos imaginarios. Uno va de los hombros, cabeza y llega hasta el pie levantado; otro va desde la cabeza, por la espalda hasta el otro pie. Son líneas curvas, lo que producen un gran dinamismo.
* Anatomía: Como toda escultura griega clásica que se precie, hay un profundo estudio de la anatomía.
* Cara: Aunque en el cuerpo se intenta dar movimiento, en la cara aún encontramos signos de frontalidad e hieratismo. Su cara no responde al esfuerzo que refleja el cuerpo, siendo un rostro sereno, vacío de sentimiento.
* Discóbolo: El discóbolo significa el Lanzador de disco. Algunos teóricos afirman que este lanzador era Hyakinthos, atleta griego del que se había enamorado Apolo y que había asesinado con un disco.
* Color: Aunque muchos no lo piensen, la mayoría de la escultura y la arquitectura griega que ha llegado a nosotros en blanco inmaculado, originariamente estaba policromada con colores vivos.

Coliseo (mandato de Vespasiano, 70 d.C.-80 d.d.C.).



Detalles:

* Lugar: En este lugar estaba el lago de la Domus Aurea de Nerón, en cuya entrada estaba el gran Coloso. El Anfiteatro Flavio tomó su nombre de esta escultura y se construyó en el centro de la ciudad.
* Dentro: Se hicieron numerosos espectáculos de gladiadores, con animales e incluso batallas navales. Con el emperador Domiciano se hizo una remodelación construyendo galerías subterráneas y un aforo más numeroso.
* Alzado: Su alzado son cuatro pisos (tres por Vespasiano y el último por Domiciano). Se utilizaron diversos materiales, como mármol para las zonas más ricas, mortero para bóvedas. Se articula por arquerías con columnas entre sí siguiendo el orden dórico o toscano (primer piso), jónico (segundo) y corintio (tercero). Es un sistema que influirá mucho más tarde, sobre todo en el Renacimiento. A ello se une su decoración, ya que debajo de cada arco se erigía una columna.
* Domiciano: El emperador Domiciano después modificó la estructura del monumento añadiendo un último ático como gradería, aumentando así el aforo. Tenía como decoración ménsulas y además tenía ventanas.
* Toldo: Aunque no conservado, sabemos que había un gran toldo o velo que cubría a los asistentes. Se configuraba por varias partes triangulares que eran tensadas por medio de postes en el suelo.

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Iniciado por volitans

La Venus del espejo de Velázquez.

¡Que casualidad, Voli!
Pensaba poner ese cuadro, mañana.

Detalles de "La Venus del Espejo" de Velázquez (164

* Venus: Se sabe que Velázquez pintó más de una mujer desnuda en sus cuadros, pero éste sería el único que conservamos. Utiliza el tema mitológico para atenuarlo, dado que en la época no era bien visto el retratar a una mujer desnuda sino era por ser una diosa. Venus se encuentra recostada sobre unas sábanas, despaldas al espectador, que era una posición con connotaciones eróticas en la Antigüedad, y su fisonomía es la de una mujer normal, quitándole todos los elementos mitológicos tradicionales ya que Velásquez solía utilizar los mitos como excusa representándolos como personas normales. Sólo puede verse su rostro distorsionado en un espejo que sostiene Cupido, representado por un niño alado desnudo.
* Color: Velázquez utiliza en general unos tonos pardos, como era lo habitual en la pintura barroca, con un gran cortinaje al fondo de color rojo para destacar y aumentando el carácter teatral de la imagen.
* Técnica: Utiliza una pincelada suelta, donde los contornos quedan difuminados. Además, usa una composición de dos líneas perpendiculares, la que forma horizontalmente el cuerpo de Venus y la vertical del cuerpo de Cupido. También hay una serie de líneas curvas, como la que forma el cortinaje o las sábanas, que dan movimiento a la escena, que en general se caracteriza por su carácter calmado.
* Encargo: Según un inventario que se descubrió en 1651, Gaspar de Haro y Guzmán, marqués del Carpio, fue el particular que tenía en su posesión este cuadro por lo que se deduce que fue él quien se lo encargó a Velásquez. Era habitual que marqueses de la época encargaran obras de este tipo para su disfrute y, sobre todo, era habitual que encargaran desnudos utilizando la temática mitológica como excusa para no ser acusados de pecadores. Gracias a este inventario y a otros estudios posteriores, se descubrió que anterior a Haro fue adquirido por el pintor Domingo Guerra Coronel que lo vendió posteriormente a Haro. Por este efecto, se ha producido una discusión acerca de qué año fue realizado, estimándose entre 1640-1650 para muchos teóricos.
* Simbolismo: Se han atribuido al cuadro numerosas connotaciones. Unos teóricos afirman que sería la belleza contra el amor, como si Venus estuviera esclavizada a su belleza ya que se mira al espejo. También se ha querido ver como una representación genérica de la belleza, ya que el rostro de la diosa no se refleja en el espejo, sino simplemente es un borrón porque no quiere identificarse con alguien en particular sino puede ser cualquier tipo de belleza.
* Espejo: El espejo es un elemento con el que Velásquez juega continuamente en sus cuadros, para jugar con el espectador y con el espacio.
* Arrepentimientos: . Los arrepentimientos se denominan a los cambios de parecer del artista en cuanto a la posición de los elementos de sus cuadros. Así, aquí encontramos varios arrepentimientos como pueden verse por ejemplo en el brazo flexionado de la diosa o en la parte izquierda, en el pie de la diosa.

La Venus de Urbino. Tiziano (153.



Encargante: Guidovaldo II de la Rovere, hijo del duque de Urbino.
Ubicación: Galería de los Uffizi, Florencia
Estilo artístico: Arte del Renacimiento
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 165 x 119 cm

Detalles:

* Venus: Una Venus púdica se encuentra en primer término de la obra, con su mano escondiendo su sexo pero mostrándonos su torso desnudo. A simple vista puede parecer la pose de una diosa, por eso lo de Venus, pero la presencia del perro hace pensar en una persona real.
* Perro: Tradiocionalmente, la figura del perro a los pies de las tumbas o las representaciones de las mujeres aludían a su carácter dócil y de fidelidad. Sin embargo, aquí lo vemos dormido algo que, junto con la representación desnuda de la retratada desconocida, forma una imagen curiosa.
* Criadas: La representación aparentemente idealizada de la escena se rompe con la presencia de las criadas, que rebuscan en los arcones, para darle mayor realismo a la escena.
* Color: Maestro de la escuela veneciana, utiliza los colores de forma brillante y muy bien elegidos. Así, la escena principal de la mujer desnuda se resalta sobre un diván rojo y unas sábanas blancas. Detrás, un cortinaje verde aumenta la teatralidad de la escena y el movimiento al dar curvas en sus pliegues. Los tonos más pardos en los tapices y en las criadas dan realismo a la escena.
* Palacio: Toda la escena es pintada con el marco arquitectónico de un típico palacio veneciano, con todo lujo de detalles ya que Venecia se había convertido en una ciudad muy rica dado el comercio.
* Identificación: Los teóricos no saben quién fue la mujer retratada. Algunos hablan de que podría ser una cortesana, o incluso un amor del hijo del duque, o incluso una representación neoplatónica.
* Influencia: La forma de representar el cuadro es una influencia de la Venus de Giorgione, aunque ésta no tiene tanta idealización como ella.