1911 Margot Grahame
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1911 Maureen O'Sullivan
Maureen O'Sullivan, actriz de nacionalidad irlandesa nacida el 17 de mayo de 1911 en Boyle, Condado de Roscommon (Irlanda) y fallecida el 23 de junio de 1998 en Scottsdale, Arizona (EE. UU.). Alcanzó popularidad interpretando el papel de Jane, la compañera de Tarzán, junto a Johnny Weissmüller.
Comenzó sus estudios en Dublín y posteriormente los amplió en Londres y París. Frank Borzage, director de cine que se hallaba rodando en Dublín, la conoció y la invitó a que viajara a Hollywood. Maureen aceptó, y a la edad de 19 años, viajó a California acompañada por su madre.
En 1930, hizo su primera película, Song o'my heart, un musical de la Fox de poco éxito dirigido por el mismo Borzage. Ese mismo año rodó otros musicales, como por ejemplo Fantasia del porvenir de David Butler, junto a El Brendel. Con este mismo director rodó un año después Un yanqui en la corte del Rey Arturo junto a Will Rogers.
En 1932, dejó la Fox y comenzó a trabajar para la Metro Goldwyn Mayer, iniciando la etapa que le aportaría sus mayores éxitos profesionales. Este mismo año protagonizó junto a Johnny Weissmüller la mítica película Tarzán de los monos (Tarzan of the apes), dirigida por W.S. Van Dyke y producida por Irving Thalberg. En este film, libre aún del famoso Código Hays de la censura en USA, encarnaba el papel de Jane, la compañera de Tarzán. El sonado éxito de esta primera entrega, hizo que Maureen repitiera el papel de Jane en otras cinco ocasiones, Tarzán y su compañera (1934) de Cedric Gibbons, La fuga de Tarzán, Tarzán y su hijo (1939), El tesoro de Tarzán (1941) y Tarzán en Nueva York (1942), estas cuatro últimas con la dirección de Richard Thorpe.
Entre los guionistas de la Fuga de Tarzán figuraba John Farrow con el que contraería matrimonio en septiembre de 1936. Una de las hijas fruto de este matrimonio fue Mia Farrow, que se convertiría en una famosa actriz en los años 60 ("El bebé de Rosemary", "John y Mary", "Terror ciego").
Los años 30 fueron una buena época para Maureen. Además de las películas de la serie Tarzán, participó en un puñado de títulos convertidos hoy en auténticos clásicos que en su momento le hicieron ser muy popular: El asesino de Mr. Medland (1932, Lothar Mendies), thriller dramático con estupenda actuación de Charles Laughton; Extraño interludio (1932, Robert Z. Leonard), drama basado en la obra teatral homónima de Eugene O´Neill, con Clark Gable; Las vírgenes de Wimpole Street(1934, Sidney Franklin) sobre la vida de la poetisa Elizabeth Browning, con Norma Shearer, Fredric March y Charles Laughton; La cena de los acusados (1934, W. S. Van Dyke), primera de una serie de comedias detectivescas dedicadas a las novelas de Dashiell Hammett que popularmente se conoció como "El hombre delgado", junto a Myrna Loy y William Powell; Ana Karenina (1935, Clarence Brown), cinematográficamente maravillosa adaptación de la inmortal novela de León Tolstói con Greta Garbo, Fredric March y Freddie Bartholomew; David Copperfield (1935, George Cukor), mayúscula traslación a la pantalla de la novela de Charles Dickens, con W. C. Fields, Freddie Bartholomew y Lionel Barrymore; Contrastes (1935, Victor Fleming), con un jovencísimo Henry Fonda en su primer papel importante; Muñecos infernales (1936, Tod Browning), clásico menor del cine de terror con Lionel Barrymore; Un día en las carreras (1937, Sam Wood) junto a los Hermanos Marx y su inseparable Margaret Dumont; o Un yanqui en Oxford (1938, Jack Conway) al lado de Robert Taylor y, de nuevo, Lionel Barrymore.
Poco a poco fue abandonando los rodajes, hasta que en 1942 dejó de trabajar para atender a su marido enfermo de tifus y cuidar a sus siete hijos.
En 1948, volvió a los platós para rodar un papel de coprotagonista en El reloj asesino junto a Charles Laughton, dirigida por su esposo John Farrow. Posteriormente alternó su trabajo en el cine con el teatro y la televisión, y apenas si destaca alguno de sus títulos cinematográficos posteriores: "El bebé de la discordia" en 1964, etc.
En los últimos años de su carrera, participó en películas como: Peggy Sue se casó (1986) de Francis Ford Coppola y Hannah y sus hermanas (1986) de Woody Allen, que por entonces era su yerno.
Después de la muerte de su marido John Farrow, ocurrida en 1963, Maureen se casó en 1983 con James Cushing.
Falleció a la edad de 87 años debido a un ataque al corazón el 23 de junio de 1998 en Arizona, su lugar de residencia.
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1911 Merle Oberon
Merle Oberon (n. Bombay 19 de febrero de 1911 – m. Malibú 23 de noviembre de 1979), nacida Estelle Merle O'Brien Thompson, fue una actriz de cine británica.
Nacida en la India, Merle no viajó hasta Inglaterra hasta el año 1928. Empezó trabajando en un club con el nombre artístico de Queenie O'Brien y trabajó en algunas películas menores. Su primer papel importante fue el de Ana Bolena en la película La vida privada de Enrique VIII (The Private Life of Henry VIII) (1933) en la que trabajó junto a Charles Laughton. En 1934 protagonizó junto a Leslie Howard La pimpinela escarlata (The Scarlet Pimpernel)
La carrera de Oberon cambió a raíz de su matrimonio con el director Alexander Korda que fue quien la persuadió para que se cambiara el nombre por el que la hizo famosa. En 1935 protagonizó Ángel en tinieblas (The Dark Angel) película que le valió la nominación para el premio Oscar a la mejor actriz.
En 1939 fue Cathy en el film Cumbres borrascosas (Wuthering Heights) junto a Laurence Olivier. En 1954 fue la emperatriz Josefina en la película Desirée junto al actor Marlon Brando que interpretaba a Napoleón Bonaparte.
La actriz se divorció de Korda en 1945 y se casó en tres ocasiones más. Falleció de un ataque al corazón a la edad de 68 años.
Filmografía
· The Three Passions (1928)
· A Warm Corner (1930)
· Alf's Button (1930)
· Never Trouble Trouble (1931)
· The W Plan (1931)
· Fascination (1931)
· For the Love of Mike (1932)
· Reserved for Ladies (1932)
· Ebb Tide (1932)
· Lydia (1941)
· Forever and a Day (1943)
· Stage Door Canteen (1943)
· First Comes Courage (1943)
· The Lodger (1944)
· Dark Waters (1944)
· A Song to Remember (1945)
· This Love of Ours (1945)
· A Night in Paradise (1946)
· Temptation (1946)
· Night Song (1948)
· Berlin Express (1948)
· 24 Hours of a Woman's Life (1952)
· Pardon My French (1952)
· All Is Possible in Granada (1954)
· Desirée (1954)
· Deep in My Heart (1954)
· The Price of Fear (1956)
· Of Love and Desire (1963)
· The Oscar (1966)
· Hotel (1967)
· Interval (1973)
·
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1911 Molly O'Day
Suzanne Dobson Noonan, más conocida como Molly O'Day (16 de octubre de 1911 – 22 de octubre de 1998), fue una actriz cinematográfica estadounidense.
Su hermana mayor era la actriz Sally O'Neil. Nacida en Bayonne, Nueva Jersey, su primera actuación tuvo lugar en el corto de Laurel and Hardy 45 Minutes from Hollywood, en 1926. También trabajó en la serie de cortos Our Gang, de Hal Roach y, al igual que su hermana, fue elegida una de las WAMPAS Baby Stars, aunque en 1928. Tras actuar en una docena de títulos en los años treinta, se retiró.
Estuvo casada con Jack Durant y con James Kenaston. Falleció en Avila Beach, California.
Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 1700 de Vine Street
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1911 Paulette Goddard
Pauline Marion Goddard Levy conocida como Paulette Goddard (Long Island, Nueva York (Estados Unidos); 3 de junio de 1911 - Ronco, (Suiza); 23 de abril de 1990), actriz estadounidense de cine mudo y sonoro.
Comenzó su carrera profesional como modelo publicitario y, después, como integrante de la compañía musical Ziegfeld Follies de Florenz Ziegfeld. Tras casarse con un millonario llamado Edgar James, se trasladó a vivir a Hollywood. A principios de los 30 participó en papeles secundarios en obras como Las calles de la ciudad (1931) de Rouben Mamoulian con Gary Cooper y Sylvia Sidney, o Torero a la fuerza (The Kid from Spain, 1932) de Leo McCarey junto a Eddie Cantor.
En 1936 rodó, junto a Charlie Chaplin, Tiempos modernos (Modern Times, 1936), la última película en la que aparece Charlot como personaje. Tras el rodaje de la película se casaron en una ceremonia secreta. Cuatro años después volvieron a rodar juntos un nuevo film, El gran dictador (The great dictator, 1940), película crítica contra el nazismo alemán y, por extensión, contra todos los fascismos y dictaduras. Ambos títulos conforman dos de las obras maestras del genial director, lo que no evitó que ese mismo año se rompiese el matrimonio.
Durante ese tiempo actuó en otras películas importantes como Mujeres (The Women, 1939) de George Cukor junto a Norma Shearer, Joan Crawford, Rosalind Russell y Joan Fontaine o en una comedia dirigida por Elliott Nugent junto al cómico Bob Hope, El gato y el canario (1939).
En la década de los 40 rodó la mayoría de sus películas, destacando entre ellas el musical Al fin solos (1940), dirigido por H.C. Potter y protagonizado por Fred Astaire y Burgess Meredith, con el que contrajo matrimonio poco después en la vida real pese a rechazar a su personaje en el film; El castillo maldito de David Butler (The Ghost Breakers, 1940) de nuevo con Bob Hope; Si no amaneciera (1941) de Mitchell Leisen, junto a Charles Boyer y Olivia de Havilland en uno de los melodramas dorados de la década; Piratas del mar Caribe (1942) y Los inconquistables (1947) ambas de Cecil B. DeMille, la primera en compañía de John Wayne, Robert Preston y Susan Hayward, y la segunda junto a Gary Cooper; Sangre en Filipinas (So Proundy We Hail, 1943) de Mark Sandrich y por la que fue nominada a un Oscar a la mejor actriz de reparto, actuando junto a Veronika Lake; La bribona(1945) de Mitchell Leisen, melodrama de factura clásica en el que realizó una de sus mejores interpretaciones; Memorias de una doncella (The Diary of a Chambermaid, 1946) de Jean Renoir, que produjo junto a su marido de este momento, Burgess Meredith, sobre la novela de Octave Mirbeau y que permanece como una de las joyas de Renoir en su etapa norteamericana; Un marido ideal (1947) de Alexander Korda, unánimamente elogiada como la mejor versión de la obra teatral de Oscar Wilde del mismo nombre o Una mujer rebelde (1949) de Emilio Fernández, junto al llorado Pedro Armendariz en una historia situada en plena revolución mexicana.
En los años 50 y 60 sorprendió por querer seguir en activo profesionalmente, en una época en que las actrices se retiraban al cumplir los 40-50 años de edad. De esta época datan sus apariciones en producciones televisivas varias y destaca su participación en "Los indiferentes" rodada en Italia en 1966 por Francesco Rossi, en la que compartía cartel con Rod Steiger y Shelley Winters.
Filmografía (parcial)
· Tiempos modernos (Modern Times, 1936)
· El gran dictador (The great dictator, 1940)
· Al fin solos (1940)
· El castillo maldito (1940)
· Si no amaneciera (1941)
· Piratas del mar Caribe (1942)
· Sangre en Filipinas (1943)
· La bribona (íd., 1945)
· Memorias de una doncella (Diary of a Chambermaid, 1946)
· Los inconquistables (The unconquered, 1947)
· Un marido ideal (An ideal husband, 1947)
· Una mujer rebelde (1949)
· La máscara de los Borgia (1949)
· Los indiferentes (Gli indiferenti, 1964)
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Aquí lo tenemos:Cita:
Iniciado por DEMAT
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Triste fin el de esta hermosa actriz :(
1912 Conchita Montenegro
Concepción Andrés Picado, conocida cómo Conchita Montenegro, (San Sebastián; 11 de septiembre de 1912 - Madrid; 22 de abril de 2007), modelo, bailarina y actriz española. Aunque casi nadie la conociese, ya que ella llevaba más de 60 años retirada, fue la primera mujer española que triunfó en Hollywood, tanto en español como en inglés.
Nació el 11 de septiembre de 1912, en San Sebastián. Abandonó su ciudad natal a los diez años para trasladarse a Madrid, donde comenzó a formarse y se fueron desarrollando sus cualidades interpretativas. Siendo aún adolescente marchó a París para asistir a clases de danza y arte dramático que recibió en la Escuela del Teatro de la Ópera.
A su regreso a España formó un dúo de baile con su hermana Juanita, con el nombre de “Las Dresnas de Montenegro”, y triunfaron en las principales capitales europeas.
La sensualidad y la fascinante belleza de Conchita la llevó pronto al cine. Rodó su primera película en 1927, “La muñeca rota”, dirigida por Reinhardt Blotner.
Después llegarían otras producciones como “Rosa de Madrid” (1927) de Eusebio Fernández Ardavín y Sortilegio (1927), de Agustín Figueroa.
Conquistando las Américas
En junio de 1930 sale hacia los Estados Unidos. El doblaje aún no existía por lo que su trabajo consistía en rodar en español, junto con otros actores de renombre, versiones de los éxitos del momento, destinadas a las salas de exhibición de España e Iberoamérica. Durante poco más de un año fue estrella contratada de la Metro-Goldwyn-Mayer, con la que rueda ¡De frente, marchen! (1930), de Edward Sedgwick, Sevilla de mis amores (1930), de Ramón Novarro, Su última noche (1931), de Chester M. Franklin, En cada puerto un amor (1931), de Marcel Silver, The Twain Shall Meet (1931), de W.S. Van Dyke, con Leslie Howard, y Strangers May Kiss (1931), de George Fitzmaurice, con Norma Shearer y Robert Montgomery.
Una de las anécdotas más curiosas del comienzo de su aventura hollywoodiense fue cuando en una prueba se negó a besar a Clark Gable; su negativa y el gesto de repulsión que adoptó gustaron mucho. Lionel Barrymore, experto en el mundo del cine afirmó: “Esta chiquilla dará mucho juego”.
Sin embargo, la MGM no le renueva, y es contratada a continuación por la Fox Film Corporation, con la que siguió rodando películas en español como Hay que casar al príncipe (1931), de Lewis Seiler, Marido y mujer (1932), de Bert E. Sebell, Dos noches (1933), del chileno Carlos F. Borcosque, La melodía prohibida (1933), de Frank Strayer, Granaderos del amor (1934), de John Reinhardt, y ¡Asegure a su mujer! (1935), de Lewis Seiler (con guión de E. Jardiel Poncela).
Un talento tan asombroso no podía quedar limitado al mercado hispanohablante, por lo que los productores decidieron mostrar sus cualidades en películas originales en inglés, lengua que la joven dominaba ya con soltura, y había aprendido en dos meses, aconsejada por Edgar Neville y Charles Chaplin, como ella misma relató en una entrevista en 1942.
Aunque los prejuicios étnicos de la época limitaban su repertorio, rodó para la Fox varios films en inglés, como El cisco Kid (1931), de I. Cummings, con Warner Baxter (óscar por su papel en este film), Audaz y galante (1932) de A. Werker,con George O'Brien y Victor McLaglen, Receta para la felicidad (1934), de D. Butler, con Will Rogers y Robert Taylor, o El brindis de la muerte (1934) de J. Blystone. A pesar de su éxito, en mayo de 1935 la productora no prorroga su contrato, y ella parte hacia Europa.
Su experiencia americana, y su dominio del francés desde su juventud, le permitieron abrirse al mercado italiano y al francés, con el que ya había trabajado, con títulos como La vie parisienne, (1935), de Robert Siodmak, Lumières de Paris (1937) de Richard Pottier con Tino Rossi o el Beau Danube bleu (1938) de Alfred Rode (perdida en un incendio, antes de su estreno), a los que siguieron Amore di ussaro, (1940), de Luis Marquina y Conjura en Florencia (1941) de Ladislao Vajda, prohibida por Mussolini (lo que daría lugar a la carrera española de este realizador).
El día 19 de septiembre de 1935 la Montenegro contrajo matrimonio en París con el galán brasileño Raoul Roulien, con el que acababa de rodar en Hollywood Granaderos del Amor (1934), ¡Asegure a su mujer! (1935). Con Roulien viajó a Sudamérica y con él como director rodó, en Argentina, la versión española El grito de la juventud (1939). Poco tiempo después se divorciarían.
De nuevo en casa
Regresó a España en 1942 tras finalizar la Guerra Civil y después de trece años en el extranjero. Volvió como la estrella internacional que era, que nada tenía que envidiar a divas de la talla de Greta Garbo. Su fama la llevó a protagonizar varias nuevas producciones: En el año 1942 rodó la prohibida al poco de estrenarse Rojo y negro, de Carlos Arévalo, con Ismael Merlo, Boda en el infierno de Antonio Román con José Nieto, y Aventura, de Jerónimo Mihura, con José Isbert; en 1943 Ídolos, de Florián Rey, con Juan Calvo.
Su último título, en 1944, fue Lola Montes dirigida por Antonio Román, junto a Luis Prendes. Al poco contrajo matrimonio con el diplomático Ricardo Giménez Arnau, antiguo delegado del Servicio Exterior de Falange y embajador ante la Santa Sede, tras lo cual se apartó del cine, negándose a conceder cualquier entrevista y huyendo de los homenajes que le ofrecieron (declinó la Medalla al Mérito Artístico que el Ministerio de Cultura le quiso conceder en 1990).
Enviudó en 1972. A pesar de ser una de las mayores artistas internacionales que ha tenido España, falleció en 2007 con escaso eco de la noticia y sin haber recibido tampoco algún merecido homenaje póstumo.
Muerte
Murió por causas naturales el domingo 22 de abril de 2007, a los 94 años de edad, en la Clínica de la Moncloa de Madrid; donó su cuerpo a la ciencia.
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Pedazo de hilo Demat
!!!!!!!!!!! :applause: ¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡
1912 Eleanor Powell
Eleanor Powell (Springfield, Massachusetts, 21 de noviembre de 1912 - Los Ángeles, 11 de febrero de 1982), bailarina y actriz norteamericana.
Su nombre completo fue Eleanor Torrey Powell. Desde muy pequeña se sintió atraída por el baile de claqué, siendo contratada por el empresario de vodevil Gus Edwards. Poco después se trasladó a Nueva York en donde alcanzaría el estrellato en las míticas tablas de Broadway.
A mitad de los años 30 debutaría para la Fox con Escándalos de 1935 (1935) y posteriormente firmaría un contrato con el gran estudio de los musicales, la Metro Goldwyn Mayer, en donde triunfaría en estupendos musicales del estilo de Melodías de Broadway 1936 (1935), Nacida para la danza (1936) y Melodías de Broadway (1937) de Roy Del Ruth; Rosalie (1937) de W. S. Van Dyke, Honolulu (1939) de Edward Buzzell, La nueva melodía de Broadway (1940) de Norman Taurog con el genial Fred Astaire de partenaire; Lady Be Good (1941) de Norman Z. McLeod o Sensations (1944) de Andrew L. Stone.
Tras su boda con el conocido actor Glenn Ford en 1943, Eleanor Powell se retiró casi definitivamente del cine (sólo aparecería en Sensations y como estrella invitada en Serenata en el valle del sol). La boda con Ford duraría hasta 1959, año de su divorcio, quedando tras un disputado pleito, Eleanor, en precaria situación económica. Para solucionar esto, Eleanor Powell volvió al baile y triunfó de nuevo en los escenarios de Las Vegas y Broadway. Posteriormente se dedicó a la televisión y a obras de beneficencia hasta su muerte, acaecida por culpa de un cáncer el 11 de febrero de 1982 en Los Ángeles. Tenía 69 años.
Filmografía
· Queen High (1930)
· George White's 1935 Scandals (1935)
· Broadway Melody of 1936 (1935)
· Born to Dance (1936)
· Broadway Melody of 1938 (1937)
· Rosalie (1937)
· Honolulu (1939)
· Broadway Melody of 1940 (1940)
· Lady Be Good (1941)
· Ship Ahoy (1942)
· Thousands Cheer (1943)
· I Dood It (1943)
· Sensations of 1945 (1944)
· Duchess of Idaho (1950)
Cortos
· No Contest! (1934)
· Screen Shapshots Series 15, No. 12 (1936)
· Screen Snapshots: Famous Hollywood Mothers (1947)
· Screen Snapshots: Hollywood Holiday (1948)
· Have Faith in Our Children (1955)
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1912 Irene Manning
Irene Manning (17 de julio de 1912 - 28 de mayo de 2004) fue una actriz y cantante.
Ella nació Inez Harvuot en Cincinnati, Ohio, en una familia de 5 hermanos. Su familia le encantaba ir de picnic al aire libre donde la actividad fue destacado grupo de canto. Este entorno familiar Irene ayudado a desarrollar un gran interés en el canto a una edad muy temprana. Sus hermanas poco más tarde se quejó de que Irene se canta en su sueño, mantenerlos despiertos.
Se le pidió que realice con orquesta Glenn Miller poco antes de su muerte en 1944. Miller ha participado en la toma de registros de swing que se emite en la Alemania nazi como parte de la American Broadcasting System en Europa o ABSIE. Porque ella había sido una estrella de ópera de luz antes de la Segunda Guerra Mundial y se habla de cantar en alemán, se le pidió que cantara algunas canciones pop americana que había sido traducido al alemán la voz. Sus caras fueron algunos de los últimos registros realizados por Glenn Miller, antes de perderse en un malogrado vuelo a París en el Canal Inglés en diciembre de 1944.
Ella es, probablemente, mejor recordada como la diva "Fay Templeton" en Yankee Doodle Dandy (1942) frente a James Cagney. En esta película, Irene tiene una escena en la que ella tiene que actuar al mismo tiempo, cantar la canción, "María", y tocar el piano todos en la misma toma. Esta coordinación de los múltiples talentos y la toma de concentración es muy difícil de completar vivir. Algunos talentos de Hollywood han ejecutado estas capacidades, así como Irene Manning, que también era músico, maestro de lectura a primera vista.
Brevemente también conocido como la Esperanza en su primera dotación películas, ya que irrumpieron en la República Estudio del sistema en 1936. Su primera película de su puesto como principal actriz en un western, "El Corral Viejo", frente a Gene Autry. (Un joven actor, llamado Dick Weston, más tarde a ser conocido como Roy Rogers, también apareció como un chico malo en esta película.) Irene dijo una vez que sugieren que "ella había dejado la luz de ópera para un caballo de ópera". De la nota, "El Corral Viejo" fue la única película que Gene Autry recibido un "tres estrellas", y ha sido votado como el más favorito de la película Autry Gene Autry Fan Club, en parte como respuesta a Irene de la sofisticación y talento vocal .
Ella no es que se sabe están relacionados con el fallecido cantante de ópera Clifford Harvuot.
La escena musical ha tomado prioridad en la segunda mitad de la década de 1940 con El día antes de la primavera en Broadway y ambos DuBarry era una dama y Serenata en Londres. Ella permaneció en Inglaterra y apareció en su propio programa de televisión BBC, Un americano en Inglaterra hasta 1951, cuando regresó a los Estados Unidos para la televisión y el trabajo nocturno.
Finalmente ella se retiró a enseñar actuación y voz.
91 años de edad murió de insuficiencia cardiaca congestiva en su casa en San Carlos, California.
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1912 Maria Montez
María África Gracia Vidal, de nombre artístico María Montez, (nacida en Barahona, República Dominicana, el 6 de junio de 1912, fallecida en París el 7 de septiembre de 1951), fue una actriz de cine de Hollywood conocida como "La Reina del Technicolor".
María África Gracia Vidal nació en la ciudad dominicana de Barahona, fue la segunda de los diez hijos de un diplomático y hombre de negocios. En 1932 se casó con el banquero estadounidense William McFeeters.
Obtuvo fama y popularidad en la década de 1940 como belleza exótica, protagonizando una serie de películas de aventura filmadas en Technicolor. Su imagen en pantalla era la de una seductora latina de sangre caliente, ataviada con coloristas vestidos y extravagantes joyas. La identificación con esta imagen cinematográfica fue tal que maría era conocida como "The Queen of Technicolor", (la Reina del Technicolor).
A lo largo de su carrera María Montez participó en 26 films, 21 de los cuales fueron hechos en Norteamérica y cinco en Europa.
Los autores Terenci Moix y Antonio Pérez Arnay escribieron un libro donde relatan su vida y repasan su filmografía, con el título de «María Montez. La reina del Tecnicolor»
· Fragmento de Cobra Woman filme de 1944 dirigido por Robert Siodmak
Legado
Poco después de su óbito, una calle en la ciudad de Barahona, su lugar de nacimiento, fue nombrada en su honor.
En 1996, la ciudad de Barahona abrió el Aeropuerto Internacional María Montez en su honor.
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1912 Mártha Eggerth
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1912 Martha Scott
Martha Scott (22 de septiembre de 1912 – 28 de mayo de 2003) fue una actriz estadounidense.
Nació en Jamesport, Missouri. Se interesó por la actuación en la escuela secundaria, donde obtuvo un grado universitario de Bachiller en 1934, antes de conseguir su deseo de actuar. Actuó junto con el “Globe Theatre troupe” en una obra corta de Shakespeare en el Century of Progress World's Fair” de Chicago, Illinois entre 1933 y 1934.
Cine
Scott accidentalmente viajó a la ciudad de Nueva York, donde realizó un casting para el papel de Emily Webb en la producción de Broadway Our Town del ganador de Premio Pulitzer, Thornton Wilder. Debutó en 1938 con esta producción obteniendo una nominación a los Academy Award como mejor actriz debido a su aclamada interpretación. Scott fue coprotagonista con William Holden, quien actuó en el papel de George Gibbs.
Martha nunca logró obtener nuevamente un éxito de esta magnitud, aun cuando apareció en películas como The Howards of Virginia, The Desperate Hours, The Ten Commandments, Ben-Hur, Airport 1975 y The Turning Point. Scott trabajó en tres ocasiones con el actor Charlton Heston, en The Ten Commandments (1956) y Ben-Hur (1959), en ambos interpretó el papel de la madre de Heston y Airport 1975 donde interpretó el papel de la hermana Beatrice, siendo Heston el capitan de la aeronave, Alan Murdock.
En 1968 Marta Scott, Henry Fonda y Robert Ryan formaron una compañía de producción teatral llamada "The Plumstead Playhouse". Posteriormente forma la Plumstead Theatre Company y se mudan a Los Ángeles, California. Esta compañía produjo importantes películas como First Monday in October, con Walter Matthau y Jane Alexander entre otros, siendo Scott co-productora de los mismos.
Su última produción, Twelve Angry Men fue representada por Henry Fonda en el Teatro de Hollywood, California.
Televisión
En el mundo de la televisión Martha también destacó en series regulares como Modern Romances (1954-1958) como anfitriona y narradora. Quizás su personaje más conocido fue en "The Bob Newhart Show" (1972-1977) como Martha Hartley. En los años 1970, Scott actúa en Bob Newhart's mother, el show de la CBS para la televisión. También intepretó a la madre de Linda Gray en la serie Dallas.
Marha Scott tuvo una extraordinaria carrera, creando memorables roles, siendo recordada como una actriz de gran talento, sin embargo en nuestros días, su trabajo es poco difundido debido a que nunca fue considerada por los grandes estudios como una actriz destacada.
Vida personal
En su vida personal, su primer matrimonio fue en 1940 con el productor de cine y radio, Carleton Alsop, con quien tuvo un hijo cuyo nombre fue Scott. El segundo matrimonio fue con el músico, compositor y profesor universitario Mel Powell en 1946, este enlace duró 52 años, hasta la muerte de Powell en 1991.
Martha Scott murió de causa natural, el 28 de mayo de 2003 en Van Nuys, California, a la edad de 90 años, siendo enterrada junto con su esposo Mel Powell. Posee una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, junto al Fonda Theatre.
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1912 Wendy Hiller
Dama Wendy Margaret Hiller DBE (15 de agosto de 1912 – 14 de mayo de 2003) fue una distinguida actriz teatral y cinematográfica inglesa. Ganadora de un Oscar, disfrutó de una carrera interpretativa variada que duró casi sesenta años. A pesar de sus notables actuaciones para el cine, ella eligió principalmente ser actriz de teatro.
Nacida en Bramhall, Stockport, condado de Cheshire, era hija de Frank Watkin Hiller, un fabricante de algodón de Manchester, y de Marie Stone. Hiller empezó su carrera profesional como actriz teatral en Manchester en los inicios de la década de 1930. Su primer éxito llegó con su interpretación de Sally Hardcastle en la versión teatral de Love on the Dole en 1934. La obra tuvo un éxito enorme, e hizo una gira por Inglaterra. Con esta obra debutó en el círculo teatral del West End londinense, representándose en 1935 en el Teatro Garrick. Se casó con su autor, el dramaturgo Ronald Gow, quince años mayor que ella, en 1937. A principios de los años cuarenta la pareja se trasladó a Beaconsfield, Buckinghamshire, donde tuvieron dos hijos, Ann (1939 – 2006) y Anthony (1942), y vivieron juntos en la casa llamada "Spindles" hasta la muerte de Gow en 1993.
A pesar de una carrera profesional muy ocupada, toda su vida estuvo interesada en el apoyo a los jóvenes actores, apoyando a sociedades teatrales locales,1 así como presidiendo la Chiltern Shakespeare Company hasta el momento de su fallecimiento. Enferma crónica, finalmente hubo de retirarse de la actuación en 1992. Pasó su última década de vida en un tranquilo retiro en su domicilio en Beaconsfield, donde falleció por causas naturales a los 90 años de edad.
Considerada como uno de los grandes talentos dramáticos del Reino Unido, se le otorgó el grado de OBE en 1971, y ascendida a Dama Comandante (DBE) en 1975. En 1996, Wendy Hiller fue galardonada por el London Film Critics Circle con el Premio Dilys Powell por su contribución al cine británico.
Carrera teatral
La gran popularidad de Love on the Dole llevó la representación a Nueva York en 1936, donde su actuación llamó la atención de George Bernard Shaw. Shaw la escogió para actuar en varias de sus obras, incluyendo Saint Joan, Pigmalión y Major Barbara, y su influencia en su temprana carrera es clara, siendo reputada como la actriz favorita de Shaw. A diferencia de otras actrices teatrales de su generación, ella representó poco a Shakespeare, prefiriendo a dramaturgos más modernos, como Henrik Ibsen y adaptaciones de novelas de Henry James y Thomas Hardy, entre otros.
En el transcurso de su carrera teatral, Wendy Hiller ganó el favor de la crítica y del público tanto en Londres como en Nueva York. Tras hacer una gira por Inglaterra con el papel de Viola en Noche de Reyes (1943), volvió al West End para ser dirigida por John Gielgud en Cradle Song (Apollo, 1944). La serie de éxitos continuó con The First Gentleman (Savoy, 1945), junto a Robert Morley, Playboy of the Western World (Bristol Old Vic, 1946) y Tess of the d'Urbervilles (Bristol Old Vic, 1946), que fue adaptada al teatro por su marido Ronald Gow.
En 1947, Wendy Hiller originó el papel de Catherine Sloper de The Heiress en Broadway. En la obra, basada en la novela de Henry James Washington Square, también actuaba Basil Rathbone como su padre. La producción disfrutó de un año de representaciones en el Teatro Biltmore de Nueva York, y sería su mayor triunfo en Broadway. Olivia de Havilland posteriormente ganaría el Oscar por este papel en la versión cinematográfica de 1949. Tras su vuelta a Londres, Hiller volvió a interpretar el papel en el West End en 1950.
Su trabajo teatral siguió siendo prioritario y continuó con Ann Veronica (Piccadilly, 1949), que fue otra colaboración con Gow, que escribió la obra con su mujer en el papel principal. Estuvo dos años con el título de N.C. Hunter Waters of the Moon (Haymarket, 1951-52), trabajando con Sybil Thorndike y Edith Evans. Una temporada en el Teatro Old Vic en 1955-56 supuso una notable actuación como Portia en Julio César, entre otras obras. Otros trabajos teatrales de esta época fueron The Night of the Ball (New Theatre, 1955), la nueva obra de Robert Bolt Flowering Cherry (Haymarket, 1958, 1959 Broadway), The Wings of the Dove (Lyric, 1963), A Measure of Cruelty (Birmingham Repertory, 1965), The Sacred Flame (Duke of York's Theatre, 1967) con Gladys Cooper y The Battle of Shrivings (Lyric, 1970) con John Gielgud.
En 1957, Wendy Hiller volvió a Nueva York para hacer el papel de Josie Hogan en la obra de Eugene O'Neill A Moon for the Misbegotten , una actuación que le supuso la nominación para los Premios Tony como mejor actriz dramática. La representación también incluía a Cyril Cusack y Franchot Tone. Su última actuación en Broadway fue como Miss Tina en la adaptación de la novela de Henry James llevada a cabo en 1962 por Michael Redgrave Los papeles de Aspern,
Según maduraba, demostraba una gran afinidad a las obras de Henrik Ibsen, como Al despertar de nuestra muerte (Cambridge, 1968), Espectros (Edinburgh, 1972), Peer Gynt (BBC, 1972) y Juan Gabriel Borkman (Old Vic, 1975), en la cual trabajaba con Ralph Richardson y Peggy Ashcroft. Un posterior éxito en el West End fue su interpretación de María de Teck en Crown Matrimonial (Haymarket, 1972). Hacia el final de su carrera reinterpretó algunas obras tempranas, como las reposiciones de Waters of the Moon (1977 Chichester Festival, Haymarket, 1978) con Ingrid Bergman y Los papeles de Aspern (Haymarket, 1984) con Vanessa Redgrave. Estaba previsto que volviera al teatro americano en la reposición en 1982 de Anastasia, con Natalie Wood, pero la muerte de Wood acaeció semanas antes de iniciar los ensayos. Hiller hizo su última actuación en el West End con el papel principal de Driving Miss Daisy (Apollo, 1988).
Carrera cinematográfica
Por insistencia de Shaw, interpretó a Eliza Doolittle en el film Pigmalión (1938), con Leslie Howard como Profesor Higgins. Esta actuación le supuso su primera nominación al Oscar y fue uno de sus papeles más famosos. Además, fue la primera vez que una actriz británica trabajando en una película británica conseguía dicha nominación. También fue la primera vez en la que una actriz maldecía en una escena cinematográfica británica. Después siguió otro éxito con otra adaptación de Shaw, Major Barbara, con Rex Harrison y Robert Morley, en 1941. El equipo formado por Powell & Pressburger firmó con ella para rodar en 1943 el film The Life and Death of Colonel Blimp, pero se vio forzada a abandonar el proyecto a causa de su embarazo, consiguiendo finalmente el papel Deborah Kerr. Determinados en trabajar con Hiller, la pareja consiguió que actuara junto a la estrella de Colonel Blimp, Roger Livesey, en el film de 1945 I Know Where I'm Going!, que se convirtió en un clásico del cine británico.
A pesar de su temprano éxito en el cine y de las ofertas llegadas desde Hollywood, ella volvió al teatro después de 1945 y solo aceptaba papeles cinematográficos de manera ocasional. Con su vuelta al cine en la década de 1950, trabajó en la película de Carol Reed Outcast of the Islands (El desterrado de las islas) (1952). En esa época ya interpretaba personajes secundarios y maduros, como en Sailor of the King (1953) y Something of Value (Sangre sobre la tierra) (1957), donde era una víctima del levantamiento Mau Mau. Ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto en 1959 por el film Separate Tables (Mesas Separadas) (1958), donde interpretaba a una solitaria gerente de hotel y pareja de Burt Lancaster. Recibió una tercera nominación al Oscar por su interpretación de la simple pero digna Lady Alice More, junto a Paul Scofield en el papel de Tomás Moro, en A Man for All Seasons (Un hombre para la eternidad) (1966). Retomó su papel del teatro londinense en Toys in the Attic (1963), con el cual ganó una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto como la hermana soltera de Dean Martin y Geraldine Page.
Su retrato de la dominante y posesiva madre en Sons and Lovers (1960) le valió una nominación a los Premios BAFTA como mejor actriz secundaria. Por otra parte, la interpretación de una princesa rusa en el gran éxito comercial Asesinato en el Orient Express (1974), le valió el reconocimiento internacional y el Evening Standard British Film Award como mejor actriz. Otros papeles notables incluyen el de una refugiada judía en Voyage of the Damned (1976) y la formidable matrona del Hospital de Londres en The Elephant Man (El hombre elefante) (1980).
Filmografía
· · · ·
· 1937 · Lancashire Luck · ·
· 1938 · Pygmalion (Pigmalión) · ·
· 1941 · Major Barbara · ·
· 1945 · 'I Know Where I'm Going!' · ·
· 1952 · Outcast of the Islands (El desterrado de las islas) · ·
· 1953 · Sailor of the King · ·
· 1957 · Something of Value (Sangre sobre la tierra) · ·
· How to Murder a Rich Uncle · ·
· 1958 · Separate Tables (Mesas separadas) · ·
· 1960 · Sons and Lovers · ·
· 1963 · Toys in the Attic · ·
· 1966 · A Man for All Seasons (Un hombre para la eternidad) · ·
· 1974 · Asesinato en el Orient Express · ·
· 1976 · Voyage of the Damned · ·
· 1979 · The Cat and the Canary · ·
· 1980 · The Elephant Man (El hombre elefante) · ·
· 1981 · Miss Morison's Ghosts · ·
· 1982 · Making Love (Su otro amor) · ·
· 1983 · Attracta · ·
· 1987 · The Lonely Passion of Judith Hearne (La solitaria pasión de Judith Hearne) · ·
· 1992 · The Countess Alice · ·
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1913 Betty Field
Betty Field (8 de febrero de 1913 - 13 de septiembre de 1973) fue una actriz teatral y cinematográfica estadounidense.
Nacida en Boston, Massachusetts, Field inició su carrera interpretativa en el West End londinense con la farsa de Howard Lindsay, She Loves Me Not. Posteriormente volvió a los Estados Unidos y actuó en varios éxitos teatrales, antes de debutar en el cine en 1939. Su papel como Mae, el único personaje femenino, en Of Mice and Men (La fuerza bruta) (1939), la consolidó como actriz dramática. Protagonizó junto a John Wayne la película de 1941 The Shepherd of the Hills. Field interpretó papeles de reparto en diferentes títulos, tales como Kings Row (1942), en el cual su personaje era víctima de un incesto.
Field prefería trabajar en el teatro de Broadway con obras como la de Elmer Rice Dream Girl o la de Jean Anouilh The Waltz of the Toreadors, pero volvió a Hollywood con regularidad, actuando en Flesh and Fantasy (Al margen de la vida) (1943), The Southerner (1945), The Great Gatsby (1949), Picnic (1955), Bus Stop (1956), Peyton Place (Vidas borrascosas) (1957), BUtterfield 8 (Una mujer marcada) (1960) y Birdman of Alcatraz (El hombre de Alcatraz) (1962). Su último papel fue en Coogan's Bluff (La jungla humana) en 1968.
Estuvo casada en tres ocasiones: la primera, con el dramaturgo Elmer Rice, finalizó por divorcio en 1956 tras 14 años de matrimonio; la segunda, con Edwin J. Lukas, desde 1957 a 1967, año en que se divorciaron; la última fue con Raymond Olivere, desde 1968 hasta la muerte de ella. Tuvo tres hijos. Field falleció a causa de una hemorragia cerebral en Hyannis, Massachusetts, a los 60 años de edad.
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1913 Boots Mallory
Patricia "Boots" Mallory (22 de octubre de 1913 – 1 de diciembre de 1958) fue una bailarina, modelo y actriz cinematográfica estadounidense.
Nació en Nueva Orleáns, Louisiana. A los 12 años formó parte de un conjunto musical femenino, en el cual tocaba el banjo, y a los dieciséis fue bailarina de vodevil. Eventualmente viajó a Nueva York, dando una buena impresión en las "Ziegfeld Follies" of 1931, una producción teatral de Broadway.
Trasladada a Hollywood, California, encontró empleo en la productora Fox Film Corporation y fue escogida para actuar en la versión filmada de la obra de Dawn Powell Walking Down Broadway. Éste fue el primer film sonoro de Erich von Stroheim. Reconoció a Mallory como su descubrimiento. La obra contaba la historia de una joven soltera enredada en un triángulo amoroso, y que quedaba embarazada. La versión filmada, sin embargo, sugería una relación lésbica entre el personaje de Mallory y el del personaje interpretado por ZaSu Pitts. Otros aspectos de carácter sexual en el personaje interpretado por James Dunn fueron considerados demasiado atrevidos. Los ejecutivos de la Fox hicieron que el director Alfred L. Werker cortara drásticamente la versión de Von Stroheim, y que se rodaran escenas adicionales. La película fue lanzada finalmente con un nuevo título Hello, Sister! (¡Hola, hermanita!) (1933) con poca promoción, y no fue un éxito. La versión original de Von Stroheim nunca fue exhibida, y se considera perdida.
En 1932 filmó su segunda película, Handle With Care, también junto a James Dunn. Fue bien recibida, y Mallory fue elegida como una de las WAMPAS Baby Stars de 1932, pero la fuerte campaña publicitaria que ello supuso fue contrarrestada por el escaso éxito de Hello, Sister!.
Alta y rubia, Mallory era conocida por su belleza, y fue fotografiada por fotógrafos como George Hurrell. Sin embargo, también posó en atrevidas sesiones de fotografías de lencería, y fue pintada desnuda por el artista Rolf Armstrong.
En los años siguientes, Mallory interpretó papeles principales en varias películas de serie "B", incluyendo el film de Rin Tin Tin The Wolf Dog (1933), y Carnival Lady (1934) y The Big Race (1934). Trabajó con James Cagney en una producción radiofónica para el Lux Radio Theatre, pero tuvo dificultades para trabajar en producciones de mayor prestigio. Su última aparición fue en una película de Laurel y Hardy, Swiss Miss (1938).
Mallory se casó por primera vez a los dieciséis años, y en 1932 contrajo segundas nupcias con el productor William Cagney, hermano del actor James Cagney. En 1947 se casó con Herbert Marshall, matrimonio que duró hasta la muerte de Mallory en 1958 en Santa Monica, California, a causa de una enfermedad de garganta.
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1913 Frances Farmer
Frances Elena Farmer (19 de septiembre de 1913, 1 de agosto de 1970) fue una actriz estadounidense de cine, televisión y teatro.
Frances nació en Seattle, Washington, hija de Ernest y Lillian Farmer. Tras ganar varios concursos y escribir varios ensayos que resultaron muy controvertidos, se la acusó de atea y comunista. Estudió drama en la Universidad de Washington y más tarde, en Nueva York, comenzó su carrera como actriz de teatro. Tras ofecerle la Paramount un contrato de siete años, cuando Farmer contaba con veintidós, se mudó a Hollywood y se casó con el actor Leif Erickson. Su carácter orgulloso y obstinado le hizo perder rápidamente su popularidad en Hollywood, lo que la llevó de nuevo al teatro, que compaginaría más tarde con el cine, de nuevo en la Paramount. En 1942, se divorció de Erickson.
A partir de este hecho, se vio envuelta en una espiral de escándalos, siendo arrestada por conducir ebria, denunciada por un peluquero del estudio al que supuestamente dislocó la mandíbula de un golpe, y permaneciendo en prisión varias temporadas, donde también agredió físicamente a los policías. Se la llevó a un hospital psiquiátrico de Los Ángeles, donde fue diagnosticada de psicosis maníaco-depresiva y más tarde de esquizofrenia paranoica. Fue sometida a inyecciones de insulina y permaneció recluida nueve meses hasta que se escapó del centro.
De nuevo volvió a Seattle con sus padres, pero las discusiones con su madre eran continuas y, tras agredirla físicamente, fue recluida de nuevo durante tres meses en un hospital psiquiátrico de Washington, donde recibió un duro tratamiento a base de electroshock.
A los 32 años, volvería al mismo centro psiquiátrico, donde esta vez permanecería cinco años, en los que además de la terapia de electroshock al parecer fue violada repetidas veces con el consentimiento de los médicos del centro, y le fue practicada una lobotomía, aunque esto último no está comprobado.
Después de esto, en 1954 se casó con Alfred H. Lobley y trabajó unos años como secretaria en Eureka, California. Más tarde trabajó en un hotel de San Francisco como recepcionista, y conoció a Leland C. Mikesell, que la animó a escribir un artículo con sus experiencias y con el que se casaría más tarde, tras divorciarse de Lobley, en un matrimonio que duró hasta la muerte de Farmer.
Pasó sus últimos años trabajando en televisón, especialmente en el programa 'Frances Farmer presents'. Murió en 1970, a la edad de 56 años, de cáncer de esófago. Está enterrada en el cementerio Oaklawn Memorial Gardens en Fishers, Indiana.
Curiosidades
· El grupo musical Nirvana dedicó una canción a Farmer, titulada 'Frances Farmer will have her revenge on Seattle' ("Frances Farmer tendrá su venganza en Seattle"). Además, Courtney Love llevó en su boda un vestido que había pertenecido a Farmer.
· La cantante francesa Mylène Farmer tomó su apellido en honor a esta actriz.
· La actriz Jessica Lange fue nominada a un Oscar por encarnar a Farmer en el film Frances, de 1982.
· La banda chilena de Thrash Metal técnico, Psicosis, posee un tema llamado "Frances Farmer", en su disco "The crippled machine that moves the world" (2005)
Filmografía
· Too Many Parents (1936)
· Border Flight (1936)
· Rhythm on the Range (1936)
· Come and Get It (1936)
· Exclusive (1937)
· The Toast of New York (El ídolo de Nueva York) (1937)
· Ebb Tide (1937)
· Ride a Crooked Mile (1938)
· South of Pago Pago (1940)
· Flowing Gold (1941)
· World Premiere (1941)
· Badlands of Dakota (1941)
· Among the Living (1941)
· Son of Fury: The Story of Benjamin Blake (1942)
· I Escaped from the Gestapo (1943)
· The Party Crashers (1958)
Televisión
· Playhouse 90 (1 episodio, 1958)
· Matinee Theatre (1 episodio, 1958)
· Frances Farmer presents (1958-1964)
· Studio One (1 episodio, 1958)
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1913 Hedy Lamarr
Hedy Lamarr (9 de noviembre de 1913 - 19 de enero de 2000), fue una actriz e ingeniera en telecomunicaciones austríaca. Era conocida como "la mujer más hermosa de las películas" y también como la inventora de la primera versión del espectro ensanchado.
Hija de un banquero y una pianista de origen judío, Hedy Lamarr nació bajo el nombre de Hedwig Eva Maria Kiesler el 9 de noviembre de 1913, en Viena (Austria). Desde pequeña destacó por su inteligencia y fue considerada por sus profesores como una superdotada. Empezó con 16 años sus estudios de ingeniería, pero a los tres años, en 1931, abandona la ingeniería atraída por su vena artística y empieza a trabajar en el teatro berlinés con el legendario director Max Reinhardt.
Así, Hedy inicia su carrera cinematográfica, y pronto será mundialmente famosa por la secuencia de la película comercial Éxtasis en la que por espacio de diez minutos aparece completamente desnuda, primero al borde de un lago y luego corriendo por la campiña checa. Por dicha escena se la conocería como la primera mujer en la Historia que apareciera desnuda en una película comercial.
Atraído por la película, el magnate Friedrich 'Fritz' Mandl arregla con sus padres un matrimonio de conveniencia y es prometida en matrimonio en contra de su voluntad. Hedy calificó posteriormente esa época como de auténtica esclavitud.
Fritz, su marido, que había suministrado armas y municiones a las tropas de Mussolini durante la ocupación de Abisinia (hoy Etiopía). Tras casarse, intentó infructuosamente hacerse con todas las copias existentes de la película en que su esposa aparecía desnuda. Muy celoso, obligaba a acompañar a su esposa en todas las cenas y viajes de negocios. Fue encerrada en casa y sometida a un estricto control. Hedy tuvo que abandonar su incipiente carrera cinematográfica y cualquier otro tipo de actividad que no fuera el de simple comparsa de Fritz. Ella cuenta que sólo podía bañarse o desnudarse cuando su marido estaba a su lado, acechándola.
Ella aprovechó su soledad para continuar sus estudios de ingeniería y utilizar su ingenio para sonsacar a los clientes y proveedores de su marido los pormenores de la tecnología armamentística de su época. Dichos conocimientos fueron cedidos por la actriz a las autoridades de EE. UU. años más tarde; igualmente algunas reuniones le sirvieron de guía para idear y patentar, en los años 1940, la técnica de conmutación de frecuencias que le devolvería notoriedad en los últimos años de su vida.
Durante su enclaustramiento, mantiene una relación sentimental con su asistenta. Dicha relación le permitió obtener la ayuda necesaria para escapar. En una rocambolesca historia de amor, Hedy consigue la infraestructura necesaria para preparar un completo plan de fuga y escapar para siempre de las garras de su marido. Escapando por una ventana del baño de un restaurante, huye en automóvil hasta París (Francia), siendo seguida de cerca por los guardaespaldas de su marido.
Ya en París, consigue viajar más tranquilamente a Londres (Inglaterra). Pero no se siente segura. Finalmente y gracias a su fama, puede viajar a Hollywood (EE.UU.), donde sería protegida por Louis B. Mayer, (De la Metro Goldwyn Mayer) que además de protección, le daría un nuevo nombre inspirado en la actriz Barbara La Marr, antigua amante de Louis muerta en trágicas circunstancias.
Así renació como Hedy Lamarr y recomenzó de nuevo su vida como actriz.
Inauguró un nuevo canon de belleza, siendo incluso en la actualidad imagen de marca de empresas como Corel. Sin embargo, no tuvo mucho éxito al elegir sus películas. Tuvo una discreta actuación en las siguientes películas:
· Boom Town (Fruto dorado, 1940)
· Comrade X (Camarada X, 1940)
· Tortilla Flat (La vida es así, 1942)
· The Strange Woman (Extraña mujer, 1946)
· Sansón y Dalila, 1949). Interpretando a Dalila.
· My Favorite Spy (Mi espía favorita, 1951)
· The Female Animal (1957).
Por otro lado, renunció a películas como Luz de Gas y Casablanca (personajes que darían fama a Ingrid Bergman).
En el año 1941 Hedy conoce al compositor vanguardista George Antheil (1900-1959), un espíritu bohemio del que se enamoró inmediatamente.
Lamarr alimentaba un profundo rencor por el régimen nazi, por lo que había ofrecido al gobierno de los Estados Unidos toda la información confidencial que disponía gracias a los contactos de su ex-marido. Pero, además, Hedy consideraba que su inteligencia podía contribuir a la victoria aliada. Así que se puso a trabajar para la consecución de nuevas tecnologías militares.
Sistema de comunicaciones secreto
Hedy sabía que los gobiernos se resistían a la fabricación de un misil teledirigido por miedo a que las señales de control fueran fácilmente interceptadas o interferidas por el enemigo, inutilizando el invento o incluso volviéndolo en su contra.
Hedy Lamarr y su compositor George Antheil recibieron el número de patente 2.292.387 por su sistema de comunicaciones secreto. Esta versión temprana del salto en frecuencia (una técnica de modulación de señales en espectro expandido) usaba un par de tambores perforados y sincronizados (a modo de pianola) para cambiar entre 88 frecuencias y se diseñó para construir torpedos teledirigidos por radio que fueran imposibles de detectar por los enemigos.
En la patente del 11 de agosto de 1942 puede leerse la inscripción H.K Markey et al. Las iniciales H.K. son las de Hedwig Kiesler (Hedy Lamarr), siendo Markey su apellido de casada de la época.
El hecho de que sus patentes fueran concedidas con el nombre de casada y no por el nombre artístico impidió que la actriz fuera reconocida hasta hace bien poco.
Poco tiempo después, el 1 de octubre de ese mismo año, aparecía en el New York Times la primera mención pública del invento, a pesar de lo cual, las autoridades de la época no consideraron la posibilidad de su realización práctica inmediata.
El primer uso conocido de dicha patente se tiene en la crisis de los misiles de Cuba.
El motivo de la tardanza era el necesario paso de un sistema mecánico a uno electrónico. Dicho paso fue realizado en 1957 por Sylvania Electronics y es de agradecer que el equipo de ingenieros reconoció en su totalidad la patente de Lamarr y Antheil.
Durante la crisis de Cuba de 1962 se usó con este sistema el control remoto de boyas rastreadoras. Después de Cuba la misma técnica fue incorporada en alguno de los ingenios utilizados en la guerra del Vietnam y, más adelante, en el sistema estadounidense de defensa por satélite (Milstar) hasta que en los años ochenta el sistema de espectro expandido vio sus primeras aportaciones en ingeniería civil. Así, con la irrupción masiva de la tecnología digital a comienzos de los años ochenta, la conmutación de frecuencias pudo implantarse en la comunicación de datos WIFI.
Lamarr murió en Florida el 19 de enero de 2000. Su hijo hizo trasladar sus cenizas a Viena deacuerdo con los deseos de la actriz.
El Día del Inventor se celebra el 9 de noviembre (fecha de su cumpleaños), en su honor.
Citas
"Cualquier chica puede ser glamorosa. Lo único que tienes que hacer es quedarte quieta y parecer estúpida"
"Tengo que dejar de casarme con hombres que se sientan inferiores a mí. En algún lugar debe haber un hombre que pueda casarse conmigo sin sentirse inferior. Necesito un hombre inferior superior"
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1913 Joan Marsh
Joan Marsh (10 de julio de 1913- 10 de agosto de 2000) fue una actriz cinematográfica estadounidense.
Marsh era hija de Charles Rosher, el cineasta favorito de la actriz de la estrella del cine mudo Mary Pickford. Joan nació en Porterville, California, y solo tenía nueve meses cuando intervino en la película de Universal Pictures Hearts Aflame. Tras numerosos papeles de la misma índole, Joan se convirtió en una estrella infantil en filmes de Pickford tales como Daddy Long Legs y Pollyanna.
Tras un paréntesis dedicado a su educación, con catorce años volvió a trabajar en el cine, interpretando papeles de ingenua. En 1930 rodó The King of Jazz, en la que cantaba junto a Bing Crosby en el banco de un parque. En esa época Crosby era un desconocido, miembro de los "Rhythm Boys". Posteriormente Frank Borzage la eligió para un papel previsto para Janet Gaynor en la película "Lucky Star", aunque en el último momento Gaynor fue la que hizo la película. Borzage le dio el nombre artístico de Joan Marsh, sustituyendo a su nombre verdadero, Nancy Ann Rosher. Anteriormente también había utilizado el nombre de Dorothy Rosher en títulos tales como Hearts Aflame.
Joan consiguió un buen número de actuaciones como coprotagonista a lo largo de su carrera, aunque nunca fue capaz de hacer personajes más allá del de chica mona. Finalmente acabó participando en una película insignificante interpretada por William Haines, en la cual únicamente tenía que decir una frase.
En 1940, con 25 años, Joan se embarcó en lo realmente era una tercera carrera cinematográfica. Tres años antes se había casado con Charles Belden. Los dos se habían conocido después de que Marsh interpretara el papel de una ingenua en Charlie Chan On Broadway. Belden era el guionista del film. En los tres años siguientes a su matrimonio, ella actuó en un par de papeles menores como entretenimiento. Entonces Paramount Pictures la contrató para rodar The Road To Zanzíbar (Camino de Zanzíbar), con Bing Crosby y Bob Hope, en la cual interpretaba a la ayudante de un mago.
En los años treinta Joan Marsh hizo papeles en apoyo de grandes estrellas tales como Greta Garbo, Joan Crawford, y Loretta Young. A pesar de todo ello, su status en Hollywood no cambiaba. Continuó haciendo papeles secundarios en películas de importancia y papeles protagonistas en cine de subgénero "Z", como High Gear (1933), con James Murray.
El matrimonio de Joan con Charles Belden duró hasta 1943. Para entonces su carrera ya había finalizado. Posteriormente regentó una papelería en Hollywood. Falleció en Ojai, California, en el año 2000.
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1913 June Knight
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1913 Kathleen Burke
Kathleen Burke (5 de septiembre de 1913 - 9 de abril de 1980) fue una actriz de cine americano de la década de 1930.
Burke ha trabajado como asistente dental en Chicago, antes de ganar un concurso de talentos patrocinado por Paramount Pictures. Su debut en cine fue como Lota, el "Pantera Mujer" en la isla de las almas perdidas (1932), la primera pantalla la versión de HG Wells' s novela La isla del Dr. Moreau.
Este éxito dio lugar a más de una veintena de apariciones en pantalla durante los siguientes siete años, sobre todo como la principal mujer en la vida de Bengala Lancer (1935) frente a Gary Cooper, y La Última avanzado con Cary Grant en ese mismo año. Su última función fue la película en 1938, con lo cual se retiró de la pantalla actuando a la edad de 25.
Filmografía
· Island of Lost Souls (1932)
· Murders in the Zoo (1933)
· Sunset Pass (1933)
· Torch Singer (1933)
· The Mad Game (1933)
· Six of a Kind (1934)
· Good Dame (1934)
· School for Girls (1934)
· Bulldog Drummond Strikes Back (1934)
· The Lives of a Bengal Lancer (1935)
· Rocky Mountain Mystery (1935)
· Mutiny Ahead (1935)
· The Awakening of Jim Burke (1935)
· Navy Wife (1935)
· The Last Outpost (1935)
· Nevada (1935)
· The Lion Man (1936)
· Craig's Wife (1936)
· The Sheik Steps Out (1937)
· Boy of the Streets (1938)
· Rascals (1938)
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1913 Loretta Young
Loretta Young (6 de enero de 1913 – 12 de agosto de 2000) fue una actriz cinematográfica estadounidense.
Inicios y carrera
Nacida en Salt Lake City, Utah, su verdadero nombre era Gretchen Young. Su familia se trasladó a Hollywood cuando ella tenía tres años. Loretta y sus hermanas Polly Ann Young y Elizabeth Jane Young (Sally Blane como nombre artístico) trabajaron como actrices infantiles, siendo Loretta la que consiguió un mayor éxito. El primer papel de Young fue con tres años de edad en la película muda The Primrose Ring. La estrella de la película, Mae Murray, se enamoró de la pequeña Gretchen y quiso adoptarla. Aunque su madre se negó, se permitió que Gretchen viviera con Murray durante dos años. Tuvo una media hermana, Georgiana (hija de su madre y de su padrastro George Belzer), que se casó con el actor Ricardo Montalbán.
Con el nombre de "Gretchen Young" participó en el film de 1917 Sirens of the Sea. No fue hasta 1928 que su nombre artístico cambió a "Loretta Young", en The Whip Woman (Miss Desdén). Ese mismo año trabajó junto a Lon Chaney en la película de MGM Laugh, Clown, Laugh (Ríe, Payaso, Ríe). Al año siguiente fue elegida como una de las WAMPAS Baby Stars.
En 1930, Young, con 17 años de edad, se fugó con el actor de 26 años Grant Withers, y se casó con él en Yuma, Arizona. El matrimonio fue anulado al año siguiente, coincidiendo con el estreno de su segunda película juntos (irónicamente titulada Too Young to Marry (demasiado joven para casarse).
Young llegó a rodar siete y ocho películas al año y ganó el Oscar a la mejor actriz en 1947 por su actuación en The Farmer's Daughter (Un destino de mujer). Ese mismo año trabajó con Cary Grant y David Niven en The Bishop's Wife (La mujer del obispo), un título posteriormente versionado como The Preacher's Wife, con Whitney Houston. In 1949, Young tuvo otra nominación al Óscar por su interpretación en Come to the Stable (Hablan las campanas), y en 1953 actuó en su última película, It Happens Every Thursday.
Mudada a la televisión, presentó y protagonizó la serie de media hora de duración The Loretta Young Show. Su programa se mantuvo en prime time en la NBC durante ocho años, algo no conseguido por ningún otro programa de la época presentado por una mujer, ganando, además, tres Emmy.
Relación con Clark Gable
En 1935, Young tuvo una relación sentimental con Clark Gable, casado en aquel tiempo, mientras trabajaban en The Call of the Wild (La llamada de la selva). Durante su relación, Young quedó embarazada. Debido a las pautas morales de la época, así como para no dañar su carrera y la de Gable, Young disimuló su embarazo. Posteriormente Young anunció que había adoptado una niña, a la que llamaría "Judy Lewis", tomando el apellido de su segundo marido, el productor Tom Lewis.
Matrimonios y relaciones sentimentales
· Casada con el actor Grant Withers entre 1930 y 1931.
· Casada con el productor Tom Lewis en 1940 y divorciada a mediados de los sesenta. Tuvieron dos hijos, Peter (músico de la banda de rock Moby Grape) y Christopher, director cinematográfico.
· Casada con el diseñador de moda Jean Louis en 1993. Louis falleció en 1997.
· Relaciones sentimentales con Spencer Tracy y Clark Gable.
Últimos años
Loretta Young fue madrina de la actriz Marlo Thomas, hija del actor Danny Thomas. Tras su retiro de la interpretación hasta poco antes de su fallecimiento, se dedicó, junto a su amiga Jane Wyman a labores de caridad. Sin embargo, salió brevemente de su retiro para participar en dos películas para la televisión, Christmas Eve (1986), y Lady in a Corner (1989).
Young falleció a los 87 años de edad a causa de un cáncer de ovario en Santa Mónica (California). Fue enterrada en el Cementerio de Holy Cross en Culver City, California. Young tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood — una por su dedicación a la industria cinematográfica, en el 6104 de Hollywood Boulevard, y otra por su carrera televisiva, en el 6141 de Hollywood Blvd.
Filmografía
· 1917 · The Primrose Ring · ·
· Sirens of the Sea · ·
· 1919 · The Only Way · ·
· 1921 · White and Unmarried · ·
· The Sheik (El caíd) · ·
· 1927 · Naughty But Nice (La suerte de la fea) · ·
· Her Wild Oat · ·
· 1928 · The Whip Woman (Miss Desdén) · ·
· Laugh, Clown, Laugh (Ríe, Payaso, Ríe) · ·
· The Magnificent Flirt (Un magnífico flirt) · ·
· The Head Man (Caciques) · ·
· Scarlet Seas (Sangre en las olas) · ·
· 1929 · Seven Footprints to Satan · ·
· The Squall (La última pena) · ·
· The Girl in the Glass Cage · ·
· Fast Life (La vida es un azar) · ·
· The Careless Age · ·
· The Forward Pass · ·
· The Show of Shows (Arriba el telón) · ·
· 1930 · Loose Ankles (Perdiendo los estribos) · ·
· The Man from Blankley's · ·
· Show Girl in Hollywood · ·
· The Second Floor Mystery · ·
· Road to Paradise · ·
· Warner Bros. Jubilee Dinner · ·
· Kismet · ·
· War Nurse · ·
· The Truth About Youth · ·
· The Devil to Pay! (¡Que pague el diablo!) · ·
· 1931 · How I Play Golf, by Bobby Jones No. 8: 'The Brassie' · ·
· Beau Ideal · ·
· The Right of Way (Vidas truncadas) · ·
· The Stolen Jools · ·
· Three Girls Lost · ·
· Too Young to Marry · ·
· Big Business Girl (Audaz ante todo) · ·
· I Like Your Nerve · ·
· The Ruling Voice · ·
· Platinum Blonde (La jaula de oro) · ·
· 1932 · Taxi! · ·
· The Hatchet Man (El hacha justiciera) · ·
· Play-Girl · ·
· Week-end Marriage · ·
· Life Begins (La vida empieza) · ·
· They Call It Sin · ·
· 1933 · Employees' Entrance (Entrada de empleados) · ·
· Grand Slam (La gran jugada) · ·
· Zoo in Budapest (Huérfanos en Budapest) · ·
· The Life of Jimmy Dolan (Su última pelea) · ·
· Heroes for Sale (Gloria y hambre) · ·
· Midnight Mary (Rosa de medianoche) · ·
· She Had to Say Yes · ·
· The Devil's in Love (El diablo se divierte) · ·
· Man's Castle (Fueros humanos) · ·
· 1934 · The House of Rothschild (La casa de los Rothschild) · ·
· Born to Be Bad · ·
· Bulldog Drummond Strikes Back (Un aventurero audaz) · ·
· Caravan (Caravana) · ·
· The White Parade (La legión blanca) · ·
· 1935 · Clive of India (Clive de la India) · ·
· Shanghai · ·
· The Call of the Wild (La llamada de la selva) · ·
· The Crusades (Las Cruzadas) · ·
· Hollywood Extra Girl · ·
· 1936 · The Unguarded Hour (Una hora en blanco) · ·
· Private Number (La esposa anónima) · ·
· Ramona · ·
· Ladies in Love · ·
· 1937 · Love Is News (Amor y periodismo) · ·
· Café Metropole · ·
· Love Under Fire · ·
· Wife, Doctor and Nurse (Esposa, doctor y enfermera) · ·
· Second Honeymoon · ·
· 1938 · Four Men and a Prayer · ·
· Three Blind Mice · ·
· Suez · ·
· Kentucky · ·
· 1939 · Wife, Husband and Friend · ·
· The Story of Alexander Graham Bell (El gran milagro) · ·
· Eternally Yours (Eternamente tuya) · ·
· 1940 · The Doctor Takes a Wife (El doctor se casa) · ·
· He Stayed for Breakfast (Caprichos de Madame) · ·
· 1941 · The Lady from Cheyenne (Una mujer de carácter) · ·
· The Men in Her Life (Los hombres que la amaron) · ·
· Bedtime Story (La vida empieza hoy) · ·
· 1943 · A Night to Remember (¡Qué noche aquella!) · ·
· China · ·
· Show Business at War · ·
· 1944 · Ladies Courageous (Heroínas anónimas) · ·
· And Now Tomorrow (El porvenir es nuestro) · ·
· 1945 · Along Came Jones (El caballero del Oeste) · ·
· 1946 · The Stranger · ·
· 1947 · The Perfect Marriage (Un matrimonio perfecto) · ·
· The Farmer's Daughter (Un destino de mujer) · ·
· The Bishop's Wife (La mujer del obispo) · ·
· 1948 · Rachel and the Stranger (Vuelve a amanecer) · ·
· 1949 · The Accused · ·
· Mother Is a Freshman (Mamá es mi rival) · ·
· Come to the Stable (Hablan las campanas) · ·
· 1950 · Key to the City · ·
· 1951 · You Can Change the World · ·
· Cause for Alarm! · ·
· Half Angel (Seria de día, coqueta de noche) · ·
· Screen Snapshots: Hollywood Awards · ·
· 1952 · Paula (El secreto de Paula) · ·
· Because of You (Entre dos amores) · ·
· 1953 · It Happens Every Thursday · ·
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1913 Lynn Bari
Lynn Bari, nacido Schuyler Margaret Fisher (18 de diciembre de 1913-el 20 de noviembre de 1989), fue una actriz de cine (por lo general, en B-movies), que especializados en el juego sensual, el hombre statuesque asesinos en más de un centenar de 20th Century Fox películas de la principios de 1930 a través de la década de 1940.
Nació en Roanoke, Virginia, la mayoría de sus primeras películas, antes de obtener el apoyo a las partes, se suele jugar uncredited funciones recepcionistas o coro niñas.
Bari raro principales funciones incluyen China Girl (1942) y Hola, Frisco, Hola (1943). Sin embargo, en el B, las películas fue en, Lynn se suele proponer como villainess. Algunos ejemplos incluyen las películas de choque y Nocturne (ambos de 1946).
Notables excepciones a este tema fue El Puente de San Luis Rey (1944). Lynn Bari la última película fue la aparición de la madre adolescente rebelde Patty McCormack en La Pareja Pistas (1968).
En julio de 1952, Bari, apareció en su propia comedia de situación llamada jefe Señora. Ella retrató Gwen Allen, el hermoso primer ejecutivo de una empresa de construcción. Ni hablar de sus problemas en la asignación fue la de poder contratar a un gerente general que no se enamoran de ella. [Noticias de Televisión, 4 de julio, 1952]
Al comentar sobre su "otra mujer" funciones, Bari dijo una vez: "Me parece que una mujer siempre con una pistola en su bolso. Estoy aterrorizada de las armas. Voy de una serie a la otra gente disparando y robando maridos!"
Vida personal
Bari es la única hija de John Fisher Manard, un nativo de Tennessee, y su esposa, Marjorie Halpen de Nueva York. Ella tenía un hermano menor, Juan. Su padre murió en 1920, y su viuda se trasladó con sus hijos a Lynchburg, Virginia. Aquí la madre de Bari se reunió con el reverendo Robert Bizer, un ministro de Ciencias Religiosas, y se casan. Asignación de un puesto en su iglesia en Boston, la familia se mudó a Massachusetts. Bari posteriormente recordó a los otros niños en la escuela en Boston hizo la vida imposible para ella y su hermano de diversión constante de sus evidentes acentos Sur. Ella decidida a eliminar su acento y, en consecuencia, se involucró con teatrales de aficionados, teniendo también elocución lecciones. Bari era más que encantados cuando a la edad de 13 años le dijo su padrastro había sido reasignado a Los Ángeles, donde más tarde se convirtió en el jefe del Instituto de Ciencias Religiosas.
Bari se casó tres veces, con su segundo marido de su primer hijo, una hija, nació muerto. Dos años más tarde dio a luz a John Michael Luft (n. 1948). Su nombre «Lynn Bari» es un compuesto de los nombres del teatro actriz Lynn Fontanne y el autor JM Barrie. Si bien en la escuela dramática, a la edad de 14, que había seleccionado su nombre escrito "Lynn Barrie». Posteriormente, se cambió la ortografía de "Bari", después de leer una historia que incluyó la ciudad italiana de ese nombre.
Ella murió de un aparente ataque cardíaco en Santa Mónica, California a la edad de 75.
Filmografía parcial
· Charlie Chan en la ciudad en la oscuridad (1939)
· Libre, Rubia y 21 (1940)
· Lillian Russell (1940)
· Sangre y arena (1941)
· Sun Valley Serenade (1941)
· El Falcon Toma Más (1942)
· El Magnífico Dope (1942)
· Esposas orquesta (1942)
· China Girl (1942)
· Hola, Frisco, Hola (1943)
· El puente de San Luis Rey (1944)
· Shock (1946)
· Hogar, dulce homicidio (1946)
· Margie (1946)
· Nocturne (1946)
· The Amazing Mr. X (1948)
· El hijo de Cleveland (1949)
· Me Sube la montaña más alta (1951)
· ¿Alguien ha visto mi Gal? (1952)
· Francisco se une a la WACS (1954)
· Abbott y Costello Conoce los Keystone Kops (1955)
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1913 Marian Marsh
Marian Marsh (17 de octubre de 1913 - 9 de noviembre de 2006) fue una actriz cinematográfica estadounidense, dedicada al final de su vida a la protección del medio ambiente.
Es conocida por su participación en películas de los años treinta, tales como Svengali (1931), Five Star Final (1931), y el film de Howard Hughes Hell's Angels (Los ángeles del infierno) (1930).
Su verdadero nombre era Violet Ethelred Krauth, y nació en lo que actualmente es Trinidad y Tobago. Era la más joven de cuatro hermanos, y sus padres eran un fabricante alemán de chocolate y su esposa, de origen francés e inglés.
Con la llegada de la Primera Guerra Mundial, la familia de Violet se trasladó a Boston, Massachusetts. Con diez años de edad se mudaron de nuevo, en esta ocasión a California, donde la hermana de Violet, la actriz Jean Fenwick, había conseguido un contrato con los estudios Film Booking Offices of America.
Violet estudió en la La Conte Junior High School y en la Hollywood High School. En 1928, la actriz del cine mudo Nance O'Neil ofreció a Violet seguir lecciones de dicción y de movimiento. Con la ayuda de Jean, Violet pronto tuvo acceso al cine. Violet, ahora conocida como Marilyn Morgan, consiguió un contrato con Pathé, compañía con la que trabajó rodando muchos cortos. Pronto intervino con un pequeño papel en el clásico de Howard Hughes Hell's Angels (Los ángeles del infierno), así como en el musical en Technicolor de Eddie Cantor "Whoopee". Poco tiempo después, firmó para Warner Bros. y se cambió su nombre por el de Marian Marsh.
En 1931, con 17 años, hizo uno de sus papeles más importantes, en Svengali, con John Barrymore. Marsh fue elegida por el mismo Barrymore para el principal papel femenino de "Trilby". "Svengali" se basaba en la novela de terror gótico de 1894 "Trilby", escrita por George du Maurier.
Fue seleccionada como una de las WAMPAS Baby Stars de 1931. La crítica positiva y el éxito en taquilla de Svengali facilitaron a Marsh participar en una serie de filmes producidos por Warner Bros., incluyendo Five Star Final (1931), con Edward G. Rbinson, The Mad Genius (1931), otra vez con John Barrymore, The Road to Singapore (1931), con William Powell, y Beauty and the Boss (1932), con Warren William.
En 1932 Marsh abandonó Warner Bros. y aceptó varias ofertas en Europa hasta el año 1934. Disfrutó trabajando en Inglaterra y en Alemania, así como pasando varias vacaciones en París. De vuelta a los Estados Unidos, actuó como la heroína en una adaptación popular de "A Girl of the Limberlost" (1934), en la que también actuaba Louise Dresser. Marsh afirmaba que ésta era su interpretación faviorita. En 1935, Marsh firmó un contrato de dos años con Columbia Pictures. Durante ese tiempo, trabajó en películas tales como el clásico de Josef von Sternberg Crime and Punishment (Crimen y castigo) (1935), con Peter Lorre, The Black Room (1935), una de las mejores películas de terror de la década, con Boris Karloff, y el drama Counterfeit, junto a Chester Morris (1936). Cuando su contrato expiró en 1936, Marsh volvió a trabajar como actriz independiente durante varios años, actuando principalmente en películas de serie B. Su último film fue House of Errors (1942), en el cual actuaba con el veterano comediante del cine mudo, Harry Langdon.
A finales de los años cincuenta actuó en un episodio piloto para una serie de televisión, junto a John Forsythe, y en un episodio de Schlitz Playhouse of Stars. Se retiró en 1959.
El 29 de marzo de 1938 se casó con el corredor de bolsa Albert Scott, con el cual tuvo dos hijos. Tras la muerte de Scott, Marsh se casó con Cliff Henderson, pionero de la aviación y empresario, trasladándose a vivir a Palm Desert (California), ciudad que Henderson desarrolló en los años cuarenta.
En los años sesenta fundó Desert Beautiful, una organización dedicada a la protección del medio ambiente. Cliff Henderson falleció en 1984 y Marian siguió residiendo en Palm Desert (California) hasta su muerte a los 93 años de edad.
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1913 Mary Martín
Mary Virginia Martin (1 de diciembre de 1913 – 3 de noviembre de 1990) fue una actriz teatral y cinematográfica estadounidense, ganadora de Premios Tony. Entre los papeles que le dieron fama se encuentra el de Nellie Forbush en South Pacific y el de María en The Sound of Music. Fue nombrada Kennedy Center Honoree en 1989.
Primeros años
Nacida en Weatherford, Texas, la infancia de Martin, según ella misma describe en su autobiografía My Heart Belongs, fue feliz y segura. Tuvo relaciones muy estrechas con sus padres y con sus hermanos. Su autobiografía detalla cómo la joven actriz tenía un oído instintivo para recrear sonidos musicales.
El padre de Martin, Preston Martin, era abogado, y su madre, Juanita Presley, profesora de violín. Tenía una hermana mayor, Geraldine.
Matrimonio
Martin se comprometió con Benjamin Jackson Hagman estando en la high school, antes de ser mandada al Ward-Belmont Collage en Nashville, Tennessee. Además de imitar a Fanny Brice cantando, pensaba que la escuela era aburrida, y se sentía confinada por las reglas estrictas. Echaba de menos Weatherford, a su familia y a Hagman. Durante una visita, Mary y Benjamin convencieron a la madre de Mary para que les permitiera casarse. Se casaron, ella con 17 años, y Martin quedó embarazada de su primer hijo, el actor Larry Hagman, lo que la forzó a abandonar la escuela. Empezó una nueva vida, y para ella no había nada mejor que la interpretación.
Debido a su juventud, la luna de miel tuvo lugar en casa de sus padres. El vivir en la casa paterna tras su matrimonio la desanimó, pero su hermana le sugirió que enseñara baile. Martin abrió un estudio de danza. Aquí creó sus propios movimientos, imitando a los famosos bailarines que ella veía en las películas.
Inicios de su carrera
Deseando aprender más sobre la danza, Martin se trasladó a California para aprender en una academia de baile, abriendo su propio estudio en Mineral Wells, Texas. Aquí aprendió a cantar con un micrófono y a frasear canciones de blues. Más adelante fue contratada para interpretar el tema “So Red Rose” en el Teatro Fox de San Francisco (California), y después en el Teatro Paramount de Los Ángeles.
Tras el incendio de su estudio, dejó todo y viajó a Hollywood, dejando que su padre le tramitara el divorcio. En Hollywood Martin se sometió a numerosas pruebas. Su primera prueba y trabajo profesionales llegaron para una emisora de radio nacional. Cantó en un programa llamado “Gateway to Hollywood”. Tras diversas pruebas, Oscar Hammerstein II oyó a Martin cantar una de sus canciones, alabando su interpretación. Este momento marcó el inicio de su carrera.
Carrera posterior
Mary Martin luchó durante casi dos años para lograr el éxito en el mundo del espectáculo. Empezó una carrera cantando en la radio en Dallas y en clubes de Los Ángeles. Su actuación en un club impresionó a un productor teatral, y fue elegida para trabajar en una obra en Nueva York. Esa producción no llegó a estrenarse, pero consiguió un papel en la obra de Cole Porter Leave It to Me!. Con dicha obra se hizo popular en Broadway y consiguió la atención de los medios nacionales cantando "My Heart Belongs to Daddy". Esta canción catapultó su carrera y llegó a ser muy especial para Martin.
Recibió el Donaldson Award y el New York Film Critics Circle Award en 1943 por One Touch of Venus. También le dieron un Tony especial en 1948 por su dedicación al teatro. En 1955 y 1956 consiguió, primero, un Tony por Peter Pan, y después un Emmy por su actuación en el mismo papel en televisión. También recibió otros Tony por South Pacific y, en 1959, por The Sound of Music.
Aunque actuó en nueve filmes en su carrera, todos entre 1938 y 1943,1 estas interpretaciones no llegaron a la altura de sus actuaciones en las versiones originales para la escena. Ella explicaba que no disfrutaba rodando películas, pues no tenía la "conexión" con la audiencia que existía en el teatro. Su interpretación más ajustada a la teatral fue en televisión, con Peter Pan (la había protagonizado en Broadway en 1954, y esta producción fue llevada a cabo en la cadena televisiva NBC en 1955, 1956 y 1960). Aunque no disfrutaba con las versiones cinematográficas, aparentemente sí lo hacía con las adaptaciones televisivas, las cuales interpretó con frecuencia.
Martin hizo su última actuación en 1980 en Londres, interpretando a "Honeybun", de South Pacific. En 1982 sufrió un accidente de tráfico, que le ocasionó lesiones graves, y en el cual falleció Janet Gaynor y el agente de prensa Ben Washer.2 3 Recibió el Kennedy Center Honors, un galardón anual concedido en reconocimiento a toda una carrera, en 1989.
Fallecimiento
Mary Martin falleció a los 76 años a causa de un cáncer colorrectal en su domicilio de Rancho Mirage, California, en 1990.4 Está enterrada en el Cementerio East Greenwood de Weatherford, Texas.
Tuvo un segundo matrimonio, con Richard Halliday en 1940. Tuvieron una hija, Heller Halliday.
Actuaciones
Teatro
· Leave It to Me! (1938) (Broadway)
· One Touch of Venus (1943) (Broadway)
· Pacific 1860 (1946) (Londres)
· Lute Song (1946) (Broadway)
· Annie Get Your Gun (1947) (gira nacional)
· South Pacific (1949) (Broadway)
· South Pacific (1951) (Londres)
· Kind Sir (1953) (Broadway)
· Peter Pan (1954) (Broadway)
· The Skin of Our Teeth (1955) (Broadway, Washington DC, y París)
· The Sound of Music (1959) (Broadway)
· Jennie (1963) (Broadway)
· Hello, Dolly! (1965) (Londres y gira mundial)
· I Do! I Do! (1966) (Broadway y gira nacional)
· Together on Broadway: Mary Martin & Ethel Merman (1977) (Broadway)
· Do You Turn Somersaults? (1978) (Broadway y gira nacional)
· Legends! (1986) (gira nacional)
Cine · The Great Victor Herbert (1939)
· Fashion Horizons (1940) (corto)
· Rhythm on the River (1940)
· Love Thy Neighbor (1940)
· Kiss the Boys Goodbye (1941)
· New York Town (1941)
· Birth of the Blues (1941)
· Star Spangled Rhythm (1942)
· Happy Go Lucky (1943)
· True to Life (1943)
· Night and Day (1946)
· Main Street to Broadway (1953)
Televisión
· America Applauds: An Evening for Richard Rodgers (1951)
· The Ford 50th Anniversary Show (1953)
· Salute to Rodgers and Hammerstein (1954)
· Noel Coward & Mary Martin
- Together With Music (1955)
· Producers' Showcase: Peter Pan (dos veces, en 1955 y 1956)
· Annie Get Your Gun (1957)
· Magic with Mary Martin (1959)
· Peter Pan (1960)
· Mary Martin: Hello, Dolly! Round the World (1966)
· Mary Martin at Eastertime (1966)
· Valentine (1979)
· Over Easy (presentadora entre 1981-1983)
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1913 Shirley Ross
Shirley Ross (7 de enero de 1913, Omaha, Nebraska - 9 de marzo de 1975) fue una actriz y cantante.
Nacido como Bernice subvención en Omaha, su familia se mudó a California cuando era un niño. Estudió en la Hollywood High School y la Universidad de California y con éxito para la audición de Gus Arnheim 's banda durante su segundo año en la universidad. Hizo sus primeras grabaciones con Arnheim en 1933.
Su carrera cinematográfica empezó en 1933 y por primera vez alcanzado prominencia frente Bing Crosby en la película de 1937 Waikiki Wedding. En La Gran Emitida de 1938 cantó "Gracias por la Memoria", con Bob Hope. Ella re-unido con la esperanza el año siguiente para cantar "Two Sleepy People" en 1938 en el cine Gracias por la Memoria.
También presentó a "La dama en el amor con usted" de la película de 1939, algunos les gusta caliente, que no es la comedia protagonizada por Jack Lemmon y Tony Curtis, aunque ambas películas comparten el mismo nombre.
Su único Broadway aparición fue en el Rodgers y Hart musical superior y superior en 1940. Shirley Ross grabó cuatro canciones del espectáculo incluyendo "nunca entró en mi mente".
Ella hizo su última película, una canción para Miss Julie, en 1945. Ella murió de cáncer en Menlo Park, California, a los 62 años.
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1913 Vivien Leigh
Vivien Leigh, (n. 5 de noviembre de 1913 - m. 7 de julio de 1967), nombre artístico de Vivian Mary Hartley, fue una actriz británica ganadora del premio Oscar en dos ocasiones. Es principalmente recordada como Scarlett O'Hara en la superproducción romántica Lo que el viento se llevó.
Nació en la India, de padres ingleses que pertenecían a una familia acomodada residente en Inglaterra.
Primeros años
Desde una edad temprana demostró su inclinación por la interpretación, actuando en los diversos montajes teatrales que se organizaban en los distintos colegios a los que asistió. Más adelante estudió en la Royal Academy of Dramatic Art con el fin de perfeccionar sus aptitudes interpretativas. Debutó en el teatro en 1934 con la obra The Sash, y al año siguiente en el cine con Things are looking up, participó como modelo y tuvo que aprender a ocultar un gran defecto: sus grandes manos.
Ya en el conocido teatro Old Vic conoció a Laurence Olivier, famoso por sus adaptaciones de las obras de Shakespeare, del que se enamoró y con el que también formó pareja artística. Se casaron en 1940 después del divorcio de sus respectivas parejas y tuvieron una sencilla ceremonia a la que acudieron sus testigos Katharine Hepburn y Garson Kanin.
Vivian siguió actuando en diversas películas británicas como Un yanki en Oxford (1938) y Callejón sin salida (1938).
Lo que el viento se llevó
La fama mundial le llegó cuando David O. Selznick se fijó en ella para que protagonizara la versión cinematográfica de la novela de Margaret Mitchell Lo que el viento se llevó (1939).
Inicialmente ella no era barajada para el papel de Scarlett O´Hara pues no era una actriz conocida en los Estados Unidos. Hizo una audición en Hollywood y fue elegida de entre un grupo de grandes estrellas como Lucille Ball (quien ya tenia el papel casi seguro), Carole Lombard (la esposa de Clark Gable), Paulette Goddard, Jean Arthur, Joan Bennett, Bette Davis (quien rechazó el papel por haber hecho un año antes Jezabel) y Katharine Hepburn. Parece que Vivien obtuvo el papel gracias a George Cukor, quien iba a dirigir la película hasta que fue sustituido por Victor Fleming. Se cuenta que Cukor fue apartado del proyecto por orden de Clark Gable, quien se sentía incómodo porque Cukor conocía ciertos detalles comprometedores de su pasado.
Por años corrió un falso rumor de que en el set Vivian no estaba cómoda ya que y ella no se llevaban bien fuera del set y siempre discutían por el mal aliento que Clark se propiciaba para desagradar a Vivian.
Olivia de Havilland, la única actriz que aun vive de los actores principales, la recuerda como «una mujer muy dulce y profesional» refiriéndose a que Vivian que era inglesa tuvo que aprender el acento sureño.
Su actuación inolvidable de Scarlett O´Hara la catapultó a la fama mundial haciéndola una de las actrices más reconocidas de todos los tiempos tras Bette Davis y Katharine Hepburn. Su interpretación de Scarlett O´Hara le valió un premio Oscar de la Academia.
Un tranvía llamado deseo y últimos años
A pesar del éxito que le proporcionó este título, Vivian seguiría prefiriendo el teatro al cine, y en las posteriores décadas sólo participó en contadas películas, entre las que destaca Un tranvía llamado deseo (1951), por la que obtuvo su segundo Oscar.
Actuó en Broadway en Tovarich que le valió su primer premio Tony. Pero su precario estado de salud le impedía desarrollar su carrera con normalidad, y las tormentosas relaciones con su marido, Lawrence Olivier, tampoco ayudaron a Vivien. Terminaron divorciándose en 1960 y ella se instaló a vivir junto al también actor John Merivale.
Es considerada una de las mujeres más bellas de la pantalla grande por sus finas facciones y sus imponentes ojos que deslumbraron a más de un hombre.
Después de un tiempo Vivien fue al doctor quien le diagnosticó un regreso de una tuberculosis de la que años antes se había curado, se le prohibió actuar y exponerse a los cambios climáticos.
Después de que como todos los días arreglara su jardín y limpiara su casa Vivien tuvo una reunión. Cuando se sintió cansada subió y fue hallada muerta en su habitación dos horas después por su marido John Merivale, pero se relata que el más destrozado por la noticia fue Lawrence Olivier.
Murió tempranamente a la edad de 53 años de tuberculosis crónica, cuando su abuela, su madre y su hija aún vivían.
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Los polos se atraen. Como los colores de ésta simbólica carátula.
Como el rojo y el negro, símbolos de la bandera fascista y la CNT.
Rojo y Negro, fue la primera película falangista censurada en su época por el gobierno franquista.
Estuvo empolvada 24 años, hasta que en 1966 la rescató la Filmoteca nacional.
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¿Porqué?
1914 Andrea Leeds
Andrea Leeds (14 de agosto de 1914 – 21 de mayo de 1984) fue una actriz cinematográfica estadounidense nominada al Premio Oscar.
Su verdadero nombre era Antoinette Lees, y nació en Butte, Montana. Inicio su carrera cinematográfica en 1934 interpretando pequeños papeles, y usando su verdadero nombre. Ya como Andrea Leeds tuvo su primer papel importante en la película de 1936 Come and Get It (Rivales). Consiguió un nuevo éxito al año siguiente con It Could Happen to You (1937).
Fue nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto por su siguiente papel, el de una fracasada aspirante a actriz en Stage Door (Damas del teatro) (1937). Formó parte de un reparto de actrices de gran renombre, incluyendo a Katharine Hepburn, Ginger Rogers, Lucille Ball y Eve Arden. A pesar de ello, fue elogiada y destacada por la crítica. Tras su éxito en esta película, Leeds hizo pruebas para el papel de Melanie en Lo que el viento se llevó, que finalmente consiguió Olivia de Havilland.
Su sustancial calidad hizo que fuera elegida para trabajar en The Goldwyn Follies (1938) haciendo el papel de "Miss Humanity". El film tuvo poco éxito y no recibió buenas críticas.
Posteriormente actuó en dos películas junto a Joel McCrea, Youth Takes a Fling (Vocación de marino) (1938) y They Shall Have Music (1939), la primera ocasión en la que tuvo un papel protagonista. Siguió interpretando papeles protagonistas románticos en la película de aventuras ambientada en la Filipinas de 1906, The Real Glory (La jungla en armas), junto a Gary Cooper y David Niven, y en Swanee River (1939), junto a Don Ameche, biografía en Technicolor de Stephen Foster,
Su última película, Earthbound (1940), era de tema fantástico, sobre una mujer (el papel de Leeds) que resuelve el asesinato de su marido con la ayuda de su fantasma.
Estas películas tuvieron bastante éxito, por lo que Leeds se hizo una actriz popular. Sin embargo, en 1939 se casó con el deportista Robert S. Howard, y decidió dejar el cine para centrarse en su familia. Se dedicó a la cría de caballos, y tras la muerte de Howard en 1962 dirigió un negocio de joyería. Fue su único matrimonio. Tuvo dos hijos, uno de los cuales falleció antes que ella.
Andrea Leeds murió a causa de un cáncer en Palm Springs, California, a los 69 años de edad. Como residente de la ciudad durante años, es recordada como una de sus ciudadanas más importantes, poseyendo una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Fue enterrada en el cementerio Desert Memorial Park en California.
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1914 Dorithy Lamour
Dorothy Lamour nació como Mary Leta Dorothy Slaton, el 10 de diciembre de 1914, en New Orleans, Louisiana, hija de John Watson Slaton y Carmen Louise La Porte. Tanto su padre como su madre trabajaban como camareros de restaurantes. La pareja se separó al poco tiempo de casados y luego Carmen contrajo matrimonio con Clarence Lambour, de quien Dorothy tomó su apellido. Sin embargo este matrimonio tampoco duró mucho tiempo y se divorciaron cuando Dorothy era una quinceañera. Desde su adolescencia Dorothy, con 1.65m de estatura, siempre atrajo las miradas por su singular belleza y su desenvolvimiento con gran simpatía.
Debido a los divorcios, la situación económica en la casa de Dorothy era muy precaria y por esa razón, a los 15 años dejó los estudios, falsificando una supuesta autorización de su madre para hacerlo y se dedicó a trabajar para ayudar al sustento del hogar. Después ingresó a una academia para estudiar secretariado. Cuando tenía 17 años, sus ojos marrones y su cabello negro convencieron a los jueces que la coronaron como Miss New Orleans 1931. Ese concurso le abrió las puertas de su carrera artística, aunque sus deseos eran convertirse en cantante y no en actriz. Con el dinero que recibió como premio en el concurso viajó a Chicago con su madre, donde trabajó primero como ascensorista por $17 a la semana en la tienda por departamentos Marshall Field, pero siempre dispuesta a labrarse un porvenir en el ambiente artístico. Participó en un programa de concurso de vaudeville y poco después fue contratada como vocalista en la Banda de Herbie Kay creando su nombre artístico eliminando la letra "b" de su apellido y quedándose como Dorothy Lamour. Tuvo bastante éxito en sus primeras presentaciones y poco después ambos viajaron a Nueva York donde Dorothy trabajó con Rudy Vallee y nada menos que con Eddie Duchin en el Club Morocco. En 1934 fue contratada como cantante para el programa de radio "The Dreamer of Songs". En el año 1935 contrajo matrimonio con Herbie Kaye.
Ese mismo año, mientras trabajaba en el club nocturno 1 Fifth Avenue, conoció a Louis B. Mayer, Presidente de la Metro Goldwyn Mayer, en ocasión que ella cantaba en un club nocturno. Con ojo crítico Mayer inmediatamente pensó que Dorothy tenía cualidades y talento para convertirse en actriz y le propuso hacer unas pruebas en los estudios. La prueba se perdió y le solicitaron que hiciera otra prueba si aún lo deseaba y estaba interesada en la actuación. Mientras eso ocurría Dorothy conoció a Jack Votion buscatalentos de Paramount quien le propuso ir a los estudios para filmar unas pruebas cosa que ella aceptó. Tanto las pruebas como su trato personal cautivó tanto a los directivos de Paramount que decidieron extenderle un contrato que fue firmado inmediatamente.
Las dos primeras películas de Dorothy, "The Stars Can't Be Wrong" (Las Estrellas Pueden Estar Equivocadas) y "The Jungle Princess" (La Princesa de la Jungla) fueron filmadas en 1936. En esta última película, actuando como la Princesa Ulah, hija de una suerte de Tarzán femenina, criada junto a un pequeño tigre, vistió el sarong que sería su prenda característica por muchos años. Su contraparte masculina fue Ray Milland. Pero, al mismo tiempo que su carrera comenzaba su matrimonio comenzó a desmoronarse. Herbie y su Banda realizaban giras artísticas a todo lo largo de los Estados Unidos, mientras Dorothy perseguía en esos momentos alcanzar el estrellato en Hollywood. Ambos estaban separados la mayor parte del tiempo y decidieron por fin divorciarse en 1939. Para explotar al máximo el éxito de su sarong, Dorothy filmó 6 películas con ese atuendo, pero posó para innumerables fotografías así vestida Las películas con el sarong fueron parte de la serie "Roads" (Caminos) con Bob Hope y Bing Crosby. "Camino a Singapur" (1940), "Camino a Zanzibar" (1941), "Camino a Marruecos" (1942), "Camino a Utopía" (1946) y "Camino a Bali" (1952). La última filmación de "Road" fue "Camino a la Fuente de la Juventud" parcialmente filmada hasta 1977 cuando murió Bing Crosby. Pero la última terminada de la serie fue "Camino a Hong Kong" (1962), con Hope y Crosby en sus papeles habituales, pero en esa oportunidad el sarong no lo llevaba Dorothy Lamour sino Joan Collins. Otras de las películas filmadas por Dorothy fueron "Huracán" (1937), "Tifón" (1940), y "Beyond The Blue Horizon" (1942) . Sólo en el período de los años 30 y 40, Dorothy filmó cerca de 40 películas y cobraba 450.000 dólares por film. Durante su carrera cinematográfica y los largos períodos de separación de su esposo, tuvo sus romances con Bob Ritchie, Cary Grant, Frank Borzage, J. Edgar Hoover, Jimmy Stewart y Rudy Vallee. También estuvo relacionada sentimentalmente con Randolph Scott en 1938, John Howard en 1939 y Greg Bautzer en 1940.
Durante la segunda Guerra Mundial, Dorothy Lamour participó en el esfuerzo de guerra poniendo al servicio su talento artístico y ganándose el apelativo de "la bomba de los bonos" mientras hacía una gira por todo el país con el propósito de promover la venta de bonos de guerra. La promoción fue un éxito y vendió 300 millones de dólares en Bonos de Guerra. Por esa campaña, el gobierno la eximió del pago de impuestos de por vida. Durante esa gira conoció al Mayor del Cuerpo Aéreo del Ejército de EEUU, William Ross Howard III, vendedor de madera en tiempos de paz y que también se dedicó a la industria de alimentos congelados y a la publicidad. Dorothy era divorciada y William Ross también divorciado de Louise Brooks, hija de Lionel Atwill, que fue la primera esposa del General Douglas MacArthur. Dorothy y William se casaron en 1943 y tuvieron su primer hijo llamado Tom en 1949. Mientras se encontraba embarazada, decidió dejar la vida artística y la familia se mudó a Baltimore donde Bill planeaba competir y obtuvo el cargo de legislador del Estado de Maryland, mientras Dorothy se dedicó a atender el hogar y criar a sus hijos.
En 1951 fue tentada por las tablas debutando en la obra "Oh Captain" estrenada en Broadway. Regresó al cine en 1952, trabajando en la película "The Greatest Show on Earth". Durante la década de los 50 hizo apariciones en televisión en programas como "The Colgate Comedy Hour" y "Damon Runyon Theatre." En 1961 preparó una presentación en clubes nocturnos y luego en teatro con las obras "DuBarry Was a Lady" (Dubarry fue una Dama) en 1963 y "Hello, Dolly!" en 1967.
Dorothy y Bill tuvieron tres hijos, incluyendo uno de su anterior matrimonio con Luise Brooks. La pareja vivió feliz hasta la repentina muerte de Bill en 1978. Durante la siguiente década, Dorothy continuó apareciendo en radio, cine y teatro. En su última película "Creepshow II" filmada en 1987 interpretó a una decrépita ama de casa que es asesinada, un film que no tuvo gran éxito y mostró a Dorothy en total decacdencia.
Dos de los méritos de Dorothy Lamour, considerando que interrumpió sus estudios secundarios, fueron que nunca estudió, ni actuación ni canto, menos música, ni nada que tuviera que ver con las técnicas del séptimo arte, sin embargo hizo 64 películas y grabó un centenar de canciones durante su carrera artística. No hay duda pues, que durante seis décadas, hizo una interesante carrera artística, en el cine, el teatro y en la industria discográfica y fue considerada una de las "pin up" favoritas de los soldados durante la Segunda Guerra Mundial, luciendo su inconfundible sarong.
Dorothy Lamour falleció por causas no dadas a conocer en un hospital de Los Angeles, California, el 22 de setiembre de 1996, a la edad de 81 años. La sobreviven sus hijos John Ridgley Howard, Tom Howard, y su hijastro William R. Howard IV. Asistió al sepelio el único amigo que, según dijo la misma Dorothy tuvo en toda su vida, Bob Hope, quien entonces tenía 90 años de edad.
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1914 Ida lupino
Ida Lupino (1914-1995). Actriz, directora y guionista británica. Era consciente de lo difícil que era dirigir a hombres. No era una situación corriente en esos años que un hombre estuviera bajo la dirección de una mujer. Así que optó por tomar el role de “mamá” y sugerirles más que dirigirles. “Podrías hacer eso por mamá” y ellos lo hacían. Ida también quería devolverle el guante a Hollywood por como trataba y retrataba a las mujeres. Así que ella retrataba a los hombres exactamente igual que Hollywood retrataba a las mujeres en las películas de cine negro: redujo los roles de los actores masculinos a seres pseudo-peligrosos, irracionales y heridos que caracterizaban a las actrices de Hollywood.
Ida Lupino nació en Londres (Gran Bretaña) en 1914 en el seno de una de las familias dedicadas al teatro más famosas del país. La tradición histórica de su familia en el teatro venía del siglo XVII en Italia, mucho antes de que la familia Lupino se exiliara a Gran Bretaña como refugiados políticos.
Ida fue una de las actrices más prolíficas de la época actuando en algo más de una centena de películas entre las que realizó en su país natal y más tarde en Hollywood.
Empezó a actuar a la temprana edad de 10 años. Su padre le construyó un pequeño teatro para ella y comenzó a enseñarle arte dramático. Con 13 años, ya formaba parte de la Royal Academy of Dramatic Art de Londres. En 1933 realizó su primera película. Cambió su pelo castaño por una melena platino y se colocó unas infinitas pestañas postizas en su cuerpo de niña de 15 años.
Su espectacular aspecto conquistó a Hollywood y su audiencia y la Paramount fijó su contrato en 1.750 dólares a la semana.
Desafortunadamente, la Paramount la incluyó en películas perfectamente olvidables y ella, después de 11 producciones de ese tipo, decidió abandonar a la Paramount. Ida se fue a Hollywood, pero la vida allí era mucho más dura de lo que ella esperaba. Era una rubia bonita antes que una magnífica actriz, perdió tanto peso que puso su vida en peligro y también se casó. Un día, se cansó de actuar como mujer suave y endeble y siguió el consejo de Hedda Hooper; se quitó de encima su rubio de bote y su excesivo maquillaje y consiguió darle el primer giro a su vida.
Durante los años cuarenta, Ida Lupino actuó para la Warner Bros en numerosas películas, a menudo clasificadas como clase B. Casi siempre interpretó papeles de mujer herida, despechada, triste, o con el corazón roto que casi nunca terminaban especialmente bien.
Fueron probablemente este tipo de papeles que Hollywood se empeñaba en asignarle a ella y a las mujeres en general, los que consiguieron cansarla y separarla de las pantallas de Hollywood. Así que ella y su nuevo marido formaron una productora, “Filmakers”.
Creando esta compañía ella esperaba poder tener el control creativo de las películas y explorar todos aquellos roles que Hollywood siempre evitaba.
Ida Lupino como directora se centró en temas de realismo social y a menudo tratando temas controvertidos para la sociedad de esa época como por ejemplo: realizó fuertes críticas a las violaciones, habló de promiscuidad, de madres solteras y de la bigamia, etc. Así mismo también se ocupa de investigar en sus películas la sexualidad femenina, la emancipación de la mujer, etc. eran heroínas. “Not Wanted”, “Never Fear”, “Hard, Fast and Beautifull”, “Outrage” o “The Bigamist” son ejemplos de ello.
Estas películas la llevaron a que se la reconociera dentro del gremio de los directores. Ella fue la única mujer de reconocido prestigio dentro de la Industria Cinematográfica. Detrás de su silla de directora tenía escrito “mamá” en ver del tradicional “director”. Todo el mundo hablaba del magnífico ambiente que se respiraba en los platós cuando Ida dirigía. “Había una gran camaradería entre el personal e Ida; harían cualquier cosa por ella” .
Más tarde, Ida se centró en trabajos para televisión, tanto como directora como actriz. Dirigió varias de las series de televisión de más éxito del momento como: “Gunsmoke”, The Untouchables” o “Sunset Strip”.
Ida Lupino se retiró en 1978 y murió de un ataque al corazón 17 años más tarde en Los Ángeles. Lo más importante que hizo Ida Lupino durante su carrera cinematográfica fue demostrarle al mundo que una mujer puede ser en Hollywood mucho más que una cara bonita. Ella demostró ser una gran directora y tuvo la suerte de que también se lo reconocieran.
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